13 películas que son mejores que el libro en el que se basan

En el mundo del cine, existe un debate continuo sobre si las adaptaciones cinematográficas pueden superar a los libros en los que se basan. A lo largo de los años, algunas películas han logrado no solo igualar, sino incluso exceder la calidad y la recepción de sus homólogos literarios, según críticos y espectadores.

Estas excepciones destacan por su capacidad para expandir, interpretar y visualizar las historias de una manera que profundiza el impacto emocional y narrativo del material original.

Esto lo logran construyendo sobre un material de origen ya impresionante, o simplemente despojándolo de algunas partes y luego reconfigurando la historia, agregando mejores personajes o jugando con el escenario. Aquí hay 13 películas que posiblemente sean mucho más agradables que el libro original.

La adaptación cinematográfica de “Tiburón”, basada en la novela de Peter Benchley publicada en 1974, es frecuentemente citada como un ejemplo emblemático de cómo una película puede superar al libro en el que se basa. La historia, que en su origen es un thriller de ficción sobre un tiburón gran blanco que siembra el pánico en una comunidad costera, captó rápidamente la atención de los productores cinematográficos, quienes adquirieron los derechos antes de que el libro llegase a las librerías.

Steven Spielberg, director del filme, tomó la decisión de modificar el guion original escrito por Benchley. La intención de Spielberg era intensificar la tensión narrativa principal, enfocándose en el aspecto de terror y supervivencia, y eliminar varias subtramas y personajes secundarios que consideraba no contribuían a la dinámica central de la historia y podrían disminuir el interés del público. Para esto, Spielberg incorporó a Carl Gottlieb en el equipo de guionistas, quien ayudó a reestructurar el guion, dotándolo de personajes con los que el público pudiera simpatizar fácilmente, diálogos más ligeros y escenas icónicas que quedaron grabadas en la memoria colectiva.

La banda sonora compuesta por John Williams también jugó un papel crucial en el éxito del filme, añadiendo un elemento de tensión acústica que ha trascendido en el tiempo. Este conjunto de factores convirtió a “Tiburón” en un hito en la historia del cine, demostrando el potencial de las adaptaciones cinematográficas para realzar y transformar el material literario original.

Mario Puzo, autor de la novela “El Padrino” de 1969, reconoció abiertamente que no consideraba esta obra como su mejor trabajo, señalando que su principal motivación al escribirla fue la necesidad económica. Puzo enfrentaba deudas significativas y vio en la creación de un thriller de temática mafiosa, un medio más eficaz para solventarlas que dedicarse a una novela literaria que, aunque pudiera recibir elogios de la crítica, no garantizaba el mismo nivel de éxito comercial. A pesar de sus bajas expectativas, Puzo vendió los derechos de adaptación cinematográfica a Paramount Pictures por 12.500 dólares durante el proceso de escritura.

Contra todo pronóstico, “El Padrino” se convirtió en un bestseller, permitiéndole a Puzo liquidar sus deudas. Inicialmente, Paramount tenía en mente producir una película de género gángster tradicional, pero la visión del director Francis Ford Coppola transformó el proyecto en una obra de mayor envergadura.

Coppola abogó por rodar en locaciones reales y mantener el ambientación temporal de la novela, además de simplificar algunas subtramas para centrar la atención en la compleja relación entre Don Vito Corleone, interpretado por Marlon Brando, y su hijo Michael, papel a cargo de Al Pacino. Estas decisiones creativas resultaron ser acertadas, dado que la trilogía de “El Padrino” es hoy considerada uno de los hitos más significativos en la historia del cine.

“Forrest Gump”, estrenada en 1994, generó opiniones divididas en cuanto a su mérito para ganar el premio a la Mejor Película, en especial al ser considerada contra competidores de la talla de “Pulp Fiction”, “La redención de Shawshank”, y “Cuatro bodas y un funeral”. A pesar de las críticas sobre su envejecimiento y su naturaleza sentimental, la cinta logró captar la atención y el afecto del público.

En contraste, la novela original de Winston Groom, publicada en 1986, ofrece un retrato distinto del personaje principal y de la trama. En el texto, Forrest Gump es presentado con una personalidad menos atractiva para el público y su relación con Jenny, menos desarrollada que en la película.

Además, la novela incluye elementos controvertidos, como episodios de racismo y una insólita subtrama en la que Forrest viaja al espacio con un simio llamado Sue. Estos aspectos de la historia, especialmente el viaje espacial, habrían representado un desafío considerable para su adaptación al cine, incluso para un actor de la capacidad de Tom Hanks. La adaptación cinematográfica optó por omitir estas partes, enfocándose en contar una historia que, aunque sentimental, resonó profundamente con la audiencia.

Michael Crichton se había establecido ya como un referente en el género de ciencia ficción para cuando su novela “Jurassic Park” fue publicada en 1990. La subsecuente adaptación cinematográfica, lanzada tres años después y dirigida por Steven Spielberg, transformó la narrativa de Crichton, centrada en las desventuras de la ingeniería genética, en un fenómeno global. Crichton, quien no solo era escritor sino también científico y médico, incorporó en su obra detalladas exploraciones sobre genética y teoría del caos, sin escatimar en las descripciones gráficas.

Por su parte, Spielberg optó por una aproximación que, aunque fiel al espíritu de la novela, simplificó considerablemente tanto la ciencia como la trama, eliminando varias subtramas y modificando el desenlace hacia uno más esperanzador, pensado en gran medida para acomodar a la audiencia juvenil. Uno de los logros más destacados de la película fue su innovador uso de efectos visuales, que llevaron la representación de dinosaurios a un nuevo nivel de realismo, especialmente relevante durante los años noventa, cuando la tecnología de CGI todavía presentaba limitaciones. La visualización de especies como los velociraptores y el brontosaurio impactó profundamente a los espectadores, marcando un hito en la historia del cine de efectos especiales.

El reconocido autor de ciencia ficción Philip K. Dick expresó inicialmente escepticismo y cierto desdén ante la noticia de que Ridley Scott estaba dirigiendo una adaptación cinematográfica de su novela “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”. De hecho, Dick se refería humorísticamente a la película como “Correcaminos” en lugar de por su título final, “Blade Runner”. A pesar de sus reservas iniciales, el trabajo de Scott en este filme, que tenía a Harrison Ford interpretando a Rick Deckard, un exoficial de policía dedicado a la caza de “replicantes” –seres humanos artificialmente creados–, terminó superando ampliamente las expectativas de Dick. La película expandió el universo de la novela hacia una representación distópica de gran alcance, destacando por su estética visualmente impactante y única.

Desafortunadamente, Philip K. Dick falleció antes del estreno de la película, sin poder ver la obra completa, aunque sí tuvo oportunidad de observar algunas de las primeras imágenes de la producción. Profundamente impresionado, Dick expresó en una carta dirigida a Jeff Walker, vendedor de películas, su asombro ante la magnitud de la adaptación y cómo esta había elevado sus ideas a dimensiones inesperadas, llegando a afirmar que “Blade Runner” justificaba su vida y su obra creativa.

La novela de Lauren Weisberger, que refleja sus experiencias trabajando como asistente personal de Anna Wintour, editora de Vogue, capturó la atención del mundo editorial tras su publicación en 2003. Su diseño de portada, caracterizado por un vistoso zapato rojo sobre fondo blanco, se convirtió en un ícono de la literatura de inicios de los dos mil. La obra es reconocida por sus entretenidas revelaciones y los paralelos que traza con la realidad del mundo de la moda, aunque su impacto cultural ha sido eclipsado en gran medida por la adaptación al cine realizada en 2006.

La película, conocida por su aguda representación del exigente ambiente de una revista de moda de alta gama, se destaca especialmente por la actuación de Meryl Streep en el papel de Miranda Priestley, la temida editora en jefe de Runway. Streep transformó líneas de diálogo como “¡eso es todo!” en momentos cinematográficos memorables, contribuyendo al estatus icónico del film dentro de la cultura pop.

La actuación está complementada por las interpretaciones de Emily Blunt, como la asistente principal, y Anne Hathaway, quien da vida a Andie, la protagonista que se inicia en el mundo de la moda bajo la tutela de Priestley. Este conjunto de actuaciones y la adaptación de la narrativa original han consolidado a la película como una referencia dentro del género, superando incluso la notoriedad del libro en el que se basa.

Stephen King, al escribir su relato “Rita Hayworth and the Shawshank Redemption”, se vio influenciado por antiguas películas de escapes de prisión. Sin embargo, el autor no albergaba grandes expectativas de ver su obra convertida en película, particularmente debido a su tono más reflexivo y menos orientado al suspenso que caracteriza gran parte de su producción literaria. Cuando Frank Darabont se acercó para adquirir los derechos cinematográficos, King accedió, aunque se mantuvo escéptico sobre el potencial de adaptación de la historia, considerándola demasiado dialogada para el formato cinematográfico.

Darabont, no obstante, tomó la decisión de enriquecer la narrativa al desarrollar con mayor profundidad a los personajes secundarios y dotarlos de trasfondos emocionales significativos, al tiempo que fusionaba varios personajes de guardias en un único antagonista principal, logrando así una narrativa más concentrada y dinámica. La película resultante, protagonizada por Morgan Freeman y Tim Robbins, no solo logró obtener siete nominaciones al Oscar, sino que también ganó un lugar destacado como una de las adaptaciones favoritas de King de su propio trabajo, compartiendo este honor con “Stand by Me”. La transformación de una historia contemplativa en una aclamada producción cinematográfica subraya la capacidad de Darabont para captar y trasladar la esencia de la obra de King a la gran pantalla.

Con el paso del tiempo, la novela “Casino Royale”, escrita por Ian Fleming y publicada como la primera entrega de la saga de James Bond, presenta elementos que han generado opiniones mixtas entre los lectores contemporáneos. El estilo de escritura de Fleming, caracterizado por frases cortas y directas, junto con una trama de espionaje que puede resultar menos intensa en comparación con expectativas modernas, y la representación simplificada de personajes, especialmente femeninos, son aspectos que se destacan en este sentido. Sin embargo, esta obra sentó las bases para una de las adaptaciones más aclamadas de la franquicia de 007.

La versión cinematográfica de “Casino Royale” de 2006, en la que Daniel Craig debutó en el rol de James Bond, se permitió ciertas libertades creativas en cuanto a subtramas y localizaciones, pero mantuvo intacto el núcleo dramático del enfrentamiento en un juego de cartas entre Bond y el antagonista Le Chiffre, interpretado por Mads Mikkelsen. A diferencia del libro, la película incorporó un mayor grado de tensión y profundidad emocional, destacando en este último aspecto gracias a la actuación de Eva Green como Vesper Lynd. Este enfoque renovado y más dinámico ha hecho que la película no solo sea bien recibida por la crítica, sino que también sea considerada por muchos aficionados como la mejor contribución de Craig a la serie de James Bond.

La serie de libros escrita por P.L. Travers, que relata las aventuras de una niñera eduardiana con habilidades mágicas, constituye una obra significativa dentro del género de ficción infantil. No obstante, es la adaptación cinematográfica de 1964 la que ha capturado de manera más profunda el afecto del público. Este impacto se debe en gran medida a la destacada actuación de Julie Andrews, en uno de sus roles más memorables, y al excepcional repertorio musical compuesto por los Hermanos Sherman. Dicha banda sonora incluye desde temas con letras complejas como “Supercalifragilisticexpialidoso”, hasta baladas emotivas y himnos con mensajes de empoderamiento.

A pesar de las críticas al acento de Dick van Dyke en el film, la película de Mary Poppins se ha mantenido como un referente de alegría y magia cinematográfica, evidenciando que la esencia única del personaje y su mundo es difícil de replicar. Esto quedó demostrado con el lanzamiento de una secuela en 2018, la cual, a pesar de sus esfuerzos, no logró igualar la conexión y el impacto de la película original en la audiencia.

Las novelas de Jason Bourne de Robert Ludlum han sido reconocidas como entretenimiento popular, especialmente idóneo para lecturas ligeras durante viajes. Sin embargo, la adaptación cinematográfica iniciada con “The Bourne Identity” en 2002 logró transformar esta base literaria en una obra cinematográfica estimulante y novedosa. El director Doug Liman se acercó al guionista Tony Gilroy para proponerle reescribir el guión basado en la novela de Ludlum, oferta inicialmente declinada por Gilroy. En declaraciones a The New Yorker, Gilroy expresó su percepción de que las novelas no estaban concebidas para ser adaptadas a la gran pantalla, argumentando que carecían de profundidad en cuanto al comportamiento humano y se centraban en aspectos superficiales como la acción frenética.

A pesar de sus reservas iniciales, Gilroy finalmente aceptó participar en el proyecto tras considerar que enfocándose en la figura del protagonista, un asesino que sufre de amnesia, podría derivarse una narrativa cinematográfica convincente. Una vez incorporado al equipo, Gilroy contribuyó a dar forma a un guión que, si bien retiene el arranque de la historia original con Jason Bourne (Matt Damon) siendo rescatado del mar, diverge significativamente de la trama de la novela en su desarrollo subsiguiente. Gilroy afirmó que, aparte del inicio, el resto del guión fue fruto de su creatividad, demostrando un enfoque que privilegió la construcción de un personaje complejo y una historia envolvente por encima de la acción incesante.

El personaje de Shrek, conocido por residir en un pantano, fue creado inicialmente por el William Steig, un ex caricaturista del New Yorker, y presentado en un libro infantil ilustrado. Esta obra, que ofrece una perspectiva única del clásico cuento de hadas, recibió varios premios tras su publicación, destacándose en el género de literatura infantil. La adaptación de DreamWorks mediante animación CGI no solo capturó la esencia del material original, sino que lo enriqueció significativamente.

El equipo de producción logró conformar un reparto vocal destacado, con Mike Myers prestando su voz al personaje principal, Eddie Murphy interpretando a Burro, y Cameron Díaz dando vida a la Princesa Fiona, quien resguarda un secreto relevante para la trama. Además, se incluyeron elementos humorísticos dirigidos a un público adulto y se compuso una banda sonora que superó las expectativas habituales para el cine familiar de la época. La película alcanzó un notable éxito tanto en taquilla como en crítica, consiguiendo el primer Premio de la Academia a la Mejor Película Animada otorgado en la historia.

El propio Steig proporcionó su veredicto sobre la adaptación cinematográfica de su obra, calificándola de “vulgar” y “repugnante”, pero expresando a la vez su entusiasmo y agrado por la misma. Esta reacción destaca el grado en que la película de Shrek logró trascender y reinventar la narrativa original, resonando tanto con audiencias jóvenes como adultas.

Para quienes crecieron durante los años noventa, la película “Mean Girls”, escrita por Tina Fey, es un referente cultural ampliamente reconocido, hasta el punto de que muchas personas pueden recitar partes significativas de su guión. Lo que quizás no sea tan conocido es que esta emblemática comedia adolescente se basó en un libro de no ficción publicado en 2002. El libro en cuestión, “Queen Bees & Wannabes”, fue escrito por Rosalind Wiseman y se orienta hacia la autoayuda, enfocado en proporcionar a los padres una mejor comprensión de las complejas presiones sociales a las que se enfrentan sus hijas adolescentes.

Wiseman dedicó cerca de una década a interactuar con jóvenes mujeres, discutiendo los detalles de sus experiencias diarias para crear un detallado análisis de la dinámica y la jerarquía social prevalente en lo que denominó “Girl World”. Fey, quien en aquel momento formaba parte del elenco de “Saturday Night Live”, descubrió este libro y se vio cautivada por las dinámicas y situaciones que Wiseman describía. Este encuentro fue el germen de lo que eventualmente se convertiría en los personajes conocidos como las Plastics, protagonistas de “Mean Girls”.

Durante la década de los noventa, las adaptaciones cinematográficas de las novelas de Nicholas Sparks se convirtieron en una constante en la industria del cine, caracterizándose por narrar historias de amor trágicas que seguían una fórmula capaz de impactar emocionalmente al público. Entre estas, “The Notebook” (El diario de Noah), estrenada en 2004, se destacó significativamente. La película narra el romance a lo largo de una década entre Allie y Noah, jóvenes protagonistas provenientes de diferentes estratos sociales.

El casting de Ryan Gosling y Rachel McAdams para los roles principales, ambos actores en ascenso en aquel momento, contribuyó de manera notable a enriquecer la narrativa de Sparks, aportando a los personajes una profundidad y genuinidad que superó las expectativas habituales para los protagonistas de este tipo de dramas románticos. Además, es relevante mencionar que el emotivo desenlace de la película fue en realidad una contribución creativa del equipo de guionistas, distinguiéndose así de la obra literaria original. Esta decisión narrativa fue clave para consolidar el impacto de la historia en la audiencia.