«Mi sono sempre sentito un outsider, non mi inserisco nel mondo della musica elettronica o anche nel campo delle canzoni», dice a Infobae Cultura il musicista canadese Dan Snaith, giorni prima di recarsi a Buenos Aires, dove si esibirà per la prima volta con il suo aspetto più noto, Caribou, questo Giovedì al Center Cultural Konex. Attualmente in tour per presentare il suo ultimo album, Suddenly (2020), il più eclettico e personale della sua carriera, Snaith è uno degli artisti più esperti nel crocevia tra danza e cultura pop. La sua musica non rimane mai in un unico posto, attraversando generi diversi in un ampio passaggio tra le piste da ballo e l'intimità della casa, dove euforia e riflessione si mescolano.
All'inizio del nuovo millennio, questo nativo di una cittadina rurale dell'Ontario ora residente a Londra ha attirato l'attenzione della stampa specializzata con il suo album di debutto sotto il nome di Manitoba, Start Breaking My Heart, in cui ha esplorato le infinite possibilità musicali del campionamento attraverso il lezioni dirompenti di DJ Shadow e Aphex Twin. La sua ricerca è diventata ancora più interessante con il suo secondo album, Up in Flames, un'immersione nei suoni riverberanti della psichedelia e del jazz più sperimentale, le origini della musica elettronica, trasferite da intensi ritmi percussivi. La sua rassegna di generi e stili è sempre presente nella sua musica, ma dal 2010 ha iniziato ad affermarsi nei suoni del suo tempo con l'uscita di Swim e si è reinventato come artista capace di accendere una festa, soprattutto con il suo side project, Daphni.
Il vasto orizzonte di Caribou può essere tracciato in un mixtape di quasi mille canzoni disponibili su Spotify e Youtube che lo stesso Snaith ha condiviso qualche anno fa. La lunga lista, con molto hip-hop, include alcune stranezze della musica brasiliana e del folk psichedelico della Congregazione cilena. Nell'intervista a Infobae Cultura, il musicista riconosce di aver ascoltato a malapena la musica argentina, anche se pensa di aver recentemente campionato una canzone rock nazionale. La curiosità e la delicatezza di Snaith vengono trasmesse durante il discorso. Si scusa per il suo programma quando gli viene detto che il suo spettacolo coincide con la festa nazionale del 24 marzo e chiede maggiori dettagli sui fatti. «Spero di non mancare di rispetto e che possiamo divertirci nonostante tutto», dice prima di finire.
—Dopo due anni di pandemia, sei finalmente riuscito ad andare in tour. Come vivi l'esperienza nel contesto attuale e come il pubblico riceve queste canzoni?
«Ci rende felici di poter suonare di nuovo, le persone che vengono a trovarci conoscono già molto bene le nuove canzoni e per noi è l'opportunità di riconnetterci con quel materiale. Una volta registrato un album, non lo ascolto mai più, quindi la familiarità con le canzoni si stabilisce dal vivo, vedendo come adattarle e come cambiano.
Ora siamo in Germania, che ovviamente si collega strettamente alla crisi di guerra perché stanno arrivando molti rifugiati. E qualche giorno fa abbiamo suonato in Repubblica Ceca, Slovenia e Croazia, che, sebbene non confinino con l'Ucraina, fanno parte dell'Europa orientale. La verità è che è difficile sapere come rispondere dal palco a questa situazione oa tutte le angosce e i momenti complicati che molte persone hanno vissuto a causa del covid negli ultimi tempi. Quello che notiamo è che ci sono così tante emozioni represse nel pubblico che cercano di essere in grado di liberarle collettivamente. Il desiderio di stare con gli altri per sentirsi bene almeno per un po' è evidente. Ovviamente abbiamo tutti delle responsabilità, ma ciò non significa che non possiamo stare insieme e goderci la musica. Penso che sia molto importante che ciò accada.
«Hai sempre avuto un piede nella storia della musica popolare e un altro nella musica più attuale, ma nell'ultimo decennio sembra che tu abbia trovato l'equilibrio tra i due e questo permette alla tua musica di raggiungere un pubblico più ampio. Pensi che ci sia stato un cambiamento?
«Mi sembra che ciò che è cambiato sia stato anche il clima musicale. Nei primi anni 2000, il tipo di artisti con cui sentivo qualcosa in comune erano band come Animal Collective o Black Dice, che facevano parte di una scena musicale sperimentale allora molto vivace, o anche con altri che riprendevano in qualche modo il rock psichedelico. È stato interessante pubblicare un album come Andorra, che è probabilmente quello con più riferimenti a un periodo specifico del passato come gli anni '60, ed è stato anche un po' strano, perché l'ho messo insieme con campioni molto piccoli in una stanza invece di registrarlo in uno studio di lusso con orchestra alla maniera di The Zombies, The Byrds o The Beatles. Ma a partire da Swim (2010), che è fortemente influenzato da tutto ciò che accadeva in alcuni club londinesi in quel periodo, ho iniziato a chiedermi se la mia musica non dovesse riflettere, oltre al mio modo di vivere, un tipo di cultura musicale contemporanea. E questo è particolarmente facile quando senti che stanno accadendo cose nuove. Penso che sia lì che posso contribuire con qualcosa, anche se mi sono sempre sentito un outsider, non mi inserisco del tutto nel mondo della musica elettronica e nemmeno nel campo delle canzoni.
«Hai sempre scritto a casa. Hai mai pensato di registrare con il resto della band in uno studio?
«Preferisco lavorare da sola. Sono così abituato a comporre nel mio home studio che l'idea di iniziare a registrare con altri musicisti senza essere sicuro di cosa fare mi sembra terribile. Ho quel lato socievole che mi piace suonare davanti al pubblico o collaborare con altre persone e capire come lavorare con ognuna di loro, ma poi c'è quel lato della mia personalità che vuole essere responsabile di tutto e avere il tempo necessario per approfondire i minimi dettagli. Quello che vorrei è avere un disco dei nostri spettacoli e pubblicarlo come album, perché le canzoni dal vivo sono molto diverse. Diventano lunghe improvvisazioni o le reinterpretiamo in modi diversi. Penso di essere abbastanza fortunato ad essere in grado di fare entrambe le cose.
— Improvvisamente ha un suono che si abbrevia nell'hip-hop degli anni '90. Ci sono stati cambiamenti significativi nel modo in cui campioniamo, dall'inizio quando l'elettronica è diventata un fenomeno globale a questi tempi in cui chiunque può registrare un album?
«A un certo punto colpisce quanto continui ad essere simile. Il mio modo di fare musica ha sempre avuto a che fare con i campioni che ho trovato su album di altri tempi, combinati con le melodie e le sequenze ritmiche che costruisco. E questo credo abbia a che fare con la mia esperienza di ascolto di artisti come Aphex Twin o Wu-Tang Clan per la prima volta. I loro dischi mi sembravano fatti in modo accessibile, probabilmente non avevano bisogno di molte costose attrezzature per comporlo. Allora avevi bisogno di un campionatore, collegavi tutto tramite un midi e così via. Sebbene nel corso degli anni sia diventato migliore e più facile con Ableton o simili, il processo è fondamentalmente lo stesso: essere in grado di mixare l'audio da qualsiasi sorgente, sia che si tratti del campione di una registrazione precedente, di uno strumento che hai, di una voce, ecc. E allungare il loro tempo o cambiare il loro tono.
Quello che è cambiato è che ora ho più tempo per riflettere su ciò che faccio. Mi chiedo sempre se il nuovo materiale si integri con la musica che ho fatto prima o se aggiunga qualcosa di diverso. Altrimenti, non vedo il motivo di registrare una canzone che è la stessa delle precedenti.
— Qual è di solito il tuo punto di partenza quando si tratta di comporre e come si finisce per mettere insieme i diversi pezzi?
«Di solito inizio programmando un po' di batteria e poi cerco una sequenza di accordi o qualcosa di armonico, poi una melodia e alla fine comincio a pensare ai testi. Naturalmente, nel mezzo sto aggiungendo diversi tipi di trame, idee e contromelodie. Ma è davvero qualcosa che varia molto, fortunatamente. Alcune delle canzoni di Suddenly, come «Home», non sarebbero esistite se non fosse stato per il campione di Gloria Barnes che ho trovato e registrato in loop, apportando una modifica molto basilare alla canzone originale. A volte inizio da quella parte o con una melodia. Il bello di avere lo studio a casa è che posso venire a registrare ogni volta che mi viene un'idea.
—In diverse interviste si sottolinea l'importanza di sbagliare o commettere errori, in quanto rinnova lo sguardo sul processo creativo. Potresti spiegarmi un po' meglio questa idea?
«Penso che valga la pena sottolineare questo aspetto perché è quello che sento di più quando si tratta di fare musica. Dopo 20 anni, non so ancora cosa sto facendo. Solo attraverso un processo infinito di sperimentazione e di gioco con le cose, provando con centinaia di idee diverse, trovo ciò che può metterle insieme in una canzone che mi piace. Sembra un po' strano che sia così dopo tanto tempo, ma è così. A volte una nota fuori luogo o qualche altro errore mi permette di scoprire che il tempo o le armonie non erano come pensavo, e per quel pezzo si apre un'altra prospettiva. Non ho un'intenzione chiara quando vado a comporre, lascio che le cose accadano.
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