Claude Viallat, un marin de couleur au MACBA

Avec une marée de couleurs grand format du français Claude Viallat, le Musée d'art contemporain de Buenos Aires (MACBA) a entamé son voyage vers son dixième anniversaire, dans ce qui est la première rétrospective de l'artiste en Argentine et en Amérique latine.

L'exposition Libertad en couleurs, qui rassemble environ 80 pièces, a débuté dans les années 1970 et se poursuit jusqu'en 2021, et est divisée en différents espaces qui rassemblent les aspects les plus significatifs de son travail en fonction de déclencheurs tels que la déconstruction, le jeu de transparence, les objets et Sutures.

Viallat (Nîmes, 1936) appartenait au groupe d'artistes gaulois Supports-Surfaces (Supports/Surfaces), qui comprenait Louis Cane, Marc Devade, Daniel Dezeuze, Patrick Saytour et André Valensi, qui ont pratiqué dans les années 1970 une pratique de rupture avec le traditionnel peinture, depuis leurs composants jusqu'à sa présentation.

Ainsi, ils ont privilégié le grand format dans le domaine de l'abstraction, le travail sur le terrain qui nécessitait un affichage physique, où la perfection académique était laissée de côté et où une méthode de peinture plus primitive, presque intuitive, était recherchée.

Les œuvres de Claude Viallat ont été exposées dans la plupart des grands centres d'art d'Europe, d'Amérique du Nord et d'Asie. En 1982, une rétrospective a eu lieu au Centre Georges Pompidou à Paris, en 1988, elle a représenté la France à la 43e Biennale de Venise. Déjà en 2018, une grande installation de son a été exposée dans la section Unlimited d'Art Basel. Ses œuvres sont présentes dans de grandes collections publiques et privées, telles que le MoMA de New York, le Museum of Modern Art de Paris, le Centre Pompidou, le National Museum of Art d'Osaka, le Museum of Fine Arts de Montréal, entre autres.

« Le mouvement auquel je faisais partie s'inscrit dans l'esprit de ce qui s'est passé dans les années 1960 aux États-Unis, qui a évidemment eu des répercussions en Europe et allait à l'encontre des méthodes traditionnelles de peinture », explique Rocío Videla Dorna, conservateur du MACBA, à Infobae Cultura.

L'art de Viallat se caractérise par l'utilisation de supports faits de différents tissus ; ainsi, dans l'exposition, vous pouvez voir des œuvres sur des toiles de chapiteau, des rideaux ou des tissus imprimés, entre autres, et en même temps un motif peint à partir d'un modèle qui, à ses différentes époques, subit des changements subtils, tels que la coloration ou de la farce. « Le motif, dont la forme rappelle un taba, n'a pas de signification particulière et est présenté dans des couleurs plus ou moins vives, opaques ou transparentes », a écrit la commissaire française Marie Sophie Lemoine.

Au rez-de-chaussée, au centre de la salle Queen Nudo, l'un des objets fétiches de l'artiste, non seulement en tant que pièce individuelle pour souligner sa dimension symbolique ainsi que son aspect utilitaire. Selon lui, « le nœud est une invention fabuleuse, encore plus fabuleuse parce qu'il est anonyme ».

Autour d'eux, comme une présentation de la diversité scénographique dans laquelle il a monté son œuvre, un couvre-lit, une toile de tente et d'autres pièces, comme un triangle qui semble faire référence à un voilier naviguant sur les vagues, accueillent favorablement cette conception selon laquelle tout peut être peint, tout peut être modifié et transformé en œuvre, tout sauf une toile traditionnelle, qu'il y en a déjà beaucoup dans l'histoire.

Dans les œuvres de la période 73-76, Viallat cherche l'extinction de la toile ou du moins la perte de cette identité qui la rend reconnaissable. Ainsi, par le feu ou une exposition prolongée à l'environnement, elle modifie non seulement cet ADN qui en fait quelque chose de reconnaissable à l'œil quotidien, mais aussi extrêmes.

« Il laisse de nombreuses œuvres à l'extérieur, à l'air libre pour qu'elles interagissent avec l'environnement, ce qui est aussi comme un acte totalement contraire à la préservation qui prévaut dans un musée où la pièce est protégée », explique Videla Dorna.

De ces années, l'Échelle de Venise se distingue, composée de bandes de suspension teintes en couleur et séparées par des espaces vides, un concept qu'il reprend pour ses Escaliers de Nîmes, mais là le tissu a une autre présence, ainsi que des motifs que l'on pouvait également voir comme maillons de chaîne quelque peu déformés, maillons nés pour ne pas s'unir.

« Il présente cette idée de déconstruire la peinture traditionnelle, donc aussi ce jeu avec des tissus qui pourraient être jetables pour beaucoup, en prenant ce qui s'est passé dans les années 1960 et aussi avec des œuvres qui tombent en quelque sorte dans le cadre découpé », ajoute-t-il.

De son côté, Lemoine ajoute dans le texte du commissaire : « Suivant le même esprit de déconstruction que la peinture qui nourrit son œuvre, Viallat s'approprie la forme du cerceau : anneaux ula ula, cercles de tonneaux, tiges recourbées à la rondeur, sur lesquelles l'artiste pose des ficelles et arrange des pièces de tissu peint, où la forme de l'arc, la mémoire du tambour des brodeuses et l'évocation du tonneau ».

Libertad de colores présente également les jeux de transparence, qui incluent les réseaux, ce cadre où la « toile » coexiste de manière fractionnée, en lambeaux, comme si elle avait été détruite par des rayures et qui représentent un lien entre la peinture et l'objet.

La transparence refait surface dans les voiles, travaillée également avec la technique du pochoir et peinte à la main, qui marquent la dissolution de la pièce, avec une présence presque fantomatique, comme le souvenir de ce qui a été et de ce qui ne sera plus jamais, le chemin vers l'extinction d'un regard sur l'art qui s'est étiré pendant des siècles.

Dans cette élimination du paradigme, dans la salle du deuxième sous-sol, il y a des œuvres de grande et énorme taille, ces dernières étant suspendues à la ventiluz pour pouvoir être parcourues en 360, parce que l'artiste les a considérées dans leur ensemble, l'arrière-plan est l'avant, le devant est l'arrière-plan, et à son tour, en plaçant un espace au milieu - qui fait référence aux vides des escaliers - qui nous invite à penser à la pièce comme une continuité, une ouverture vers un art sans centre.

« Il est intéressé à montrer les deux côtés du tableau sur le même plan. La plupart d'entre eux les ont peints sur le sol, c'est-à-dire qu'ils jettent le tissu sur le sol et s'accroupissent beaucoup dans le style de Jackson Pollock. Ainsi, vous pouvez voir les marques du tableau, il n'est pas si intéressé à cacher la main de l'artiste, et les éclaboussures apparaissent dans le cadre de l'œuvre. À Viallat, il n'y a pas de recherche de perfection et de prodigiosité excessive, bien au contraire », explique Videla Dorna.

Dans le cadre des célébrations de 10 ans, le MACBA étend ses expositions à d'autres lieux, et pendant la durée de Libertad de colores, vous pouvez voir deux œuvres de Viallat à Alcorta Shopping.

* Liberté des couleurs, rétrospective de l'artiste contemporain Claude Viallat, au Musée d'art contemporain de Buenos Aires (MACBA), Av. San Juan 328, jusqu'au 12 juin. Du lundi au vendredi de midi à 19h ; les samedis, dimanches et jours fériés de midi à 19h00. Fermé le mardi. Admission générale, 400$ ; étudiants, enseignants et retraités accrédités, 200$ ; laissez-passer culturel, 150$ ; enfants de 6 à 12 ans, 200$ ; enfants de moins de 6 ans et personnes handicapées, gratuit. Mercredi : Général ; 200$ ; étudiants, enseignants et retraités accrédités, enfants de 6 à 12 ans, gratuit.

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