Las exposiciones que no te puedes perder en junio: Andy Warhol, Rosario de Velasco, Erwin Olaf...

¿Cansado de la misma rutina de todos los fines de semana? ¿No sabes cómo pedirles a tus amigos, familiares o intereses románticos que te acompañen a una de las muchas exposiciones que destacan dentro del amplio catálogo cultural que ofrece la capital? Madrid no sólo es conocida por sus excelsas pinacotecas que visitan millones de personas cada año, también cuenta con una diversa programación que amplía los intereses artísticos de sus museos.

El verano está a la vuelta de la esquina, un sinónimo del arranque de los eventos musicales que se apoderan de la nómina y el ocio del ciudadano medio. Las vacaciones, el mar y un cóctel de cuestionable color se apoderan del feed de Instagram de los millennials. Aunque el arte pueda no parecer una opción clásica en los meses más calurosos, los museos son un refugio impenetrable para aquellos días que alargan sus posibilidades. El arte vuelve a llamar a la puerta de la rutina con un fantástico, y renovado, catálogo de exposiciones. Este mes destacan las propuestas del Festival PHotoEspaña 2024, cargado de panorámicas fotográficas que describen el comportamiento coyuntural del ser humano. Contemporáneo, visual o clásico, en Infobae España recopilamos las diez exposiciones imperdibles del mes en la capital.

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También comprendida dentro del Festival PHotoESPAÑA 2024, la fotografía de Erwin Olaf se convierte en otra de las muestras imprescindibles de la capital. El artista holandés, fallecido a finales del año pasado, fue uno de los grandes renovadores de la estética narrativa de la escena fotográfica, convirtiendo sus instantáneas en composiciones cinematográficas muy cuidadas. En ellas, Olaf hablaba (o más bien retrataba), de forma poética, sobre los problemas a los que se enfrenta la sociedad contemporánea en pleno siglo XXI: soledad, incomunicación, aislamiento, híper-individualismo y violencia.

En Erwin Olaf. Narrativas de emancipación, deseo e intimidad, la exposición que se podrá visitar en el Centro Cultural de la Villa hasta el próximo 14 de julio, el fotógrafo se convierte en un cronista privilegiado de las epidemias coyunturales y sociales. Sus imágenes se convierten en espacios estilizados que capturan, con maestría y soberbia, el deambular del ser humano en una realidad sin referentes, rumbo o esperanza de futuro

En enero de 1983, Andy Warhol visitó España con Fernando Vijande con motivo de otra exposición: Pistolas, cuchillos y cruces. De ese viaje nace una de las muestras más interesantes del año en la capital, organizada por Colección Suñol Soler en el Museo Lázaro Galdiano. En ella, y a través de más de una treintena de obras, se recuerda el viaje del artista contemporáneo a tierras mediterráneas, una visita que supuso una revolución en la sociedad española, pues posicionó al país dentro del circuito artístico internacional.

La exposición Warhol & Vijande, cita en Madrid, que se podrá visitar en la pinacoteca situada en la calle Serrano hasta el próximo 25 de julio, es un homenaje a la conexión y fascinación entre la obra de ambos perfiles, que se conocieron a finales de los años 60 en la legendaria The Factory neoyorquina. La muestra está compuesta por fotografías, vinilos, fotolibros, documentación, objetos prestados por el Museo Andy Warhol de Pittsburgh y obras originales de Warhol, ntre ellas, un retrato de Mao de gran formato perteneciente a la serie 10 Early Maos. La exposición contará, además, con 20 de los retratos más personales de Warhol realizados por su amigo, el fotógrafo Christopher Makos.

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Tras el éxito de la exposición de Isabel Quintanilla (que se despidió de las salas del Museo Thyssen este domingo), la pinacoteca madrileña sigue la estela de las pintoras y presenta, junto al Museo de Bellas Artes de Valencia, una exposición dedicada a la artista figurativa española Rosario de Velasco. A partir del 18 de junio, y hasta el próximo 15 de septiembre, el museo acogerá una muestra que reúne treinta pinturas de los años 20 a los 40 del siglo pasado (los primeros y los más destacados de su trayectoria artística).

La exposición presenta, por primera vez, lienzos que estaban en paradero desconocido hasta hace relativamente poco y otros de colecciones privadas que se muestran en el Thyssen para abordar la importancia de la figura de Rosario de Velasco, una de las grandes artistas del arte español de la primera mitad del siglo XX.

La cultura japonesa no entiende de simplezas. Todo lo que pertenece a su mundo es grandioso y monumental, como el monstruo Godzilla que aterroriza Shibuya o las esqueléticas calles que albergan todo un universo cromático y audiovisual que ha sido refugio de más de una generación. El manga es algo más que una disciplina artística nipona, es un fenómeno global que sigue expandiéndose con la fuerza viral del término de la década.

Su espíritu sentimental, caótico y expresivo conquistó a todo tipo de público. Ahora, Madrid acoge una de las exposiciones más ambiciosas del género. De sus inicios rugosos a su evolución televisiva, The Art of Manga ahonda en la disciplina y escenografía de una rama artística que consiguió inspirar al mundo. La exposición, ubicada en el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM), permite que el visitante ahonde en los orígenes del manga y el anime, así como su entrada en España y su posterior globalización de la mano de productos como Sailor Moon, Pokémon y One Piece.

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La pintura ha sido un motor esencial para narrar la transformación histórica de la sociedad. Goya retrataba los cielos y las tradiciones que se gestaban en Madrid, pero no fue el único que habló de su coyuntura a través de una cuidada paleta de colores. El Museo del Prado alberga, hasta el próximo 22 de septiembre, la exposición Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910), un viaje por el retrato y la experiencia de los pintores que vivieron el cambio en nuestro país.

El trabajo en las fábricas, la enfermedad, la marginación social, la prostitución y las luchas sociales se convierten en temáticas clave para unos pintores que aparecieron con una objetividad nueva y que tenían que competir con la fotografía. La pintura social de estos años marcados por la transformación se erige como la temática de estudio en la pinacoteca madrileña.

Cuando surge la fotografía, lo hace fácilmente, como un regalo que no debe ser cuestionado ni analizado. Ese era el secreto de Elliott Erwitt (1928-2023), la fugacidad, el momento, la creación de la ironía natural que esconde la condición humana. El fotógrafo de Magnum, fallecido a finales del año pasado, perfeccionó la técnica, o más bien la idiosincrasia, de su maestro, Henri Cartier-Bresson, un hombre se movía por la fe en el “instante decisivo”. El suyo es un catálogo sin pretensiones que apela a la fascinación de la observación, eso sí, sin el componente exhaustivo de la espera. Un click basta para capturar la naturaleza mundana de los ciudadanos que capturó con su lente.

La Fundación Canal acoge desde este miércoles hasta el próximo 18 de agosto la exposición Elliott Erwitt. La comedia humana, una muestra comprendida dentro del Festival PHotoESPAÑA 2024. A través de 135 obras divididas en tres secciones (Personas, Animales y Formas), la organización madrileña ahonda en el catálogo pictórico de uno de los mejores fotógrafos del siglo XX. Pese a adquirir notoriedad con sus retratos caninos, unas instantáneas originales con las que bajó a la realidad perruna para contar con una nueva y original perspectiva con la que capturar el tiempo, la maestría de Erwitt va más allá de su predilección por fotografiar al mejor amigo del hombre.

Mujeres que pasean, parejas que se besan, ciudadanos que toman el sol y que conforman una amalgama de emociones mundanas que no se repiten. Todo ello, desde perspectivas ajenas al ojo humano. Su pulsión por capturar el instante era guiada por la serendipia, ese hallazgo extraordinario que ocurre de forma casual y que trasciende a la mera fotografía que captura la realidad objetiva.

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El estilo personal del estadounidense Robert Nava (nacido en 1985) va más allá de la influencia que ha recibido del arte prehistórico, el egipcio, la cultura precolombina, los dibujos animados y la pintura de Jean-Michel Basquiat y Cy Twombly. Su violencia pictórica, una nueva mitología con la que pretende dar respuesta a la coyuntura actual, está conformada, no sólo por estridentes colores, también por criaturas híbridas y monstruos zoomórficos que habitan en escenas de cierto caos visual.

Hasta el próximo 22 de septiembre, el Museo Thyssen-Bornemisza dedica una muestra a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza con la primera retrospectiva monográfica del estadounidense en un museo, Robert Nava. La exposición cuenta con una selección de 17 piezas de gran formato realizadas entre 2019 y 2024. El estilo de Nava se desvincula de la norma académica al crear una idiosincrasia cromática que se relaciona con la ‘mala pintura’ o bad painting: término que se emplea para definir a las obras que desafían el buen gusto y las normas estéticas clásicas que componen un lienzo.

“Cuando pasó, tuvimos una reunión de crisis para ver qué podíamos hacer, cómo podíamos contribuir”, alegan desde Histovery, la empresa encargada de dar forma a la exposición en la que se reconstruyen más de ocho de siglos de historia de la catedral de Notre-Dame de París. En 2019, un incendio fulminó parte de la estructura del emblema gótico de la capital francesa, uno de los monumentos históricos de sus arrondissiments. Una llama que conmocionó al mundo y que estremeció al arte. Su rápida propagación ocasionó daños considerables: la aguja, una obra de Viollet-le Duc configurada en el siglo XIX, y la cubierta se derrumbaron. Las 400 toneladas de plomo que el fuego destruyó contaminaron el resto del espacio, complicando aún más las labores de reconstrucción de la parte dañada.

Un lustro después del incendio, Notre-Dame reabrirá sus puertas el 8 de diciembre tras haber permanecido cerrada al público. Hasta entonces, los entresijos de su cronología se exponen de forma pormenorizada en CentroCentro, que albergará hasta el próximo 14 de julio la exposición Notre-Dame de París. La exposición aumentada, una suerte de experimento científico que recoge el espíritu del monumento gótico que albergó algo más que gárgolas.

A través de la realidad aumentada, la muestra llevada a cabo por Histovery plantea un recorrido por los 850 años de historia de la catedral, un espacio que ha sido testigo de eventos como la coronación de Napoleón o la boda del rey Enrique IV. La exposición se crea a partir de la necesidad de hablar del proceso de su reconstrucción, pues la muestra se planteó en el momento en el que el devastador fuego derrumbó su aguja y parte de su tejado.

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Considerado por muchos como el primer pintor español de corte moderno, Francisco de Goya sigue siendo un enigma, prueba de que su extensa obra va más allá de las representaciones satíricas de su época. La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando arma un recorrido por el cambio de paradigma del pintor español hacia el mundo que habitó y cómo dicha actitud se acabó reflejando en sus obras. Goya. El despertar de la conciencia se podrá visitar en Madrid hasta el próximo 23 de junio.

Los temas que abordó en sus lienzos y sus dibujos se tratan, en esta exposición, desde la perspectiva de la transformación, del cambio, del sentimiento que genera un caos interno y tambalea las nociones adquiridas por el pintor. Además, será la primera vez en la historia en la que se presenten restauradas la totalidad de las láminas de cobre que Goya creó y empleó para la estampación de sus grabados.

Una de las muestras más esperadas del mes en Madrid es la de Antoni Tàpies (1923-2012) en el Museo Reina Sofia: una exposición que no sólo celebra el centenario del artista contemporáneo, sino que también es la mayor retrospectiva celebrada hasta la fecha del pintor catalán. Hasta el 24 de junio, el espacio cultural ubicado en Atocha focaliza sus esfuerzos en brindar la cronología artística de un pintor polifacético, así como su relación con la materia y el lenguaje.

Con más de 220 obras procedentes de pinacotecas y colecciones privadas de todo el mundo, la exposición Antoni Tàpies. La práctica del arte plasma el diálogo del artista con la sustancia, pero sin dejar de lado la reflexión artística. La muestra transita por toda su trayectoria, comenzando por su conexión e innegable herencia con las vanguardias históricas y su vinculación con el grupo artístico Dau al Set.

Relacionado con el movimiento abstracto y destacado por sus rasgos expresionistas, pero considerándose a él mismo como un realista nato, Tàpies enarbola un empleo inconfundible de la materia para crear formas y objetos que le otorgan una identidad propia.

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