Las seis exposiciones que no te puedes perder en febrero: Chagall, Monet, Duchamp...

¿Cansado de la misma rutina de todos los fines de semana? ¿No sabes cómo pedirles a tus amigos, familiares o intereses románticos que te acompañen a una de las muchas exposiciones que destacan dentro del amplio catálogo cultural que ofrece la capital? Madrid no sólo es conocida por sus excelsas pinacotecas que visitan millones de personas cada año, también cuenta con una diversa programación que amplía los intereses artísticos de sus museos.

Febrero llega cargado de novedades y de últimas oportunidades para visitar algunas de las exposiciones más notorias de la ciudad. En Infobae España hemos recopilado seis muestras, algunas que nos dejan este mes y otras que llegan pisando fuerte, para que tus mutuals se queden sin excusas para decir que ‘no’ al plan propuesto. De artistas de renombre a otros contemporáneos que ahondan en temáticas como el amor romántico en la era de Tinder, estas son las muestras imperdibles de este mes en Madrid.

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Tus amigos suben imágenes borrosas de su reflejo en el ascensor a Instagram porque está de moda, en el universo del píxel, sugerir que la nitidez es algo caduco y pasado. Lo mismo pensaría en su momento Claude Monet (París, 1940 - Giverny, 1926) cuando decidió romper con los cánones pictóricos que requerían de una pincelada precisa, fina y capaz de captar la realidad ante sus ojos.

El pintor francés es uno de los grandes exponentes del impresionismo: un movimiento artístico que, tras la aparición de la fotografía, se encargó de capturar todo aquello que escapaba a la imagen estática. El advenimiento de la cámara cambió la pintura y el futuro inmediato del arte, pues relegó al lienzo de su labor representativa, hasta entonces centrada en grandes retratos e imágenes bíblicas.

El espacio CentroCentro recupera la figura antológica de Monet con una gran exposición (la primera en 30 años en Madrid) que ahonda en la capacidad del pintor de capturar la diversidad lumínica y el detalle de lo común. La muestra cuenta con más de 50 obras procedentes del Musée Marmottan Monet de París (que alberga el conjunto más importante de obras del artista). La pinacoteca francesa, un palacete legado por Paul Marmottan en 1932, ha conseguido albergar en sus salas la prolífica vida pictórica de Monet gracias a las donaciones de su hijo Michel.

La exposición, que se podrá visitar hasta el próximo 25 de febrero, se convierte en una experiencia sensorial que aborda la obsesión del impresionista por la luz, el tiempo y la fragilidad de los objetos plasmados en los lienzos.

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Las Meninas es uno de los cuadros más conocidos de la cronología artística. La aparente sencillez de la temática que aborda, un retrato burocrático y monárquico de época, esconde muchísimos secretos que ponen de relieve la inteligencia pictórica de Diego Velázquez. Millones de visitantes han quedado ensimismados con la infinidad de detalles que presenta el lienzo que ocupa una de las salas más ostentosas del Museo del Prado, encontrando los misterios que encierra bajo sus pinceladas.

Por primera vez, y con motivo de la exposición Reversos, comisariada por Miguel Ángel Blanco y centrada en esas partes no antes vistas por el público, la pinacoteca ha mostrado “la cara oculta” del cuadro de Velázquez, enseñando su espina dorsal. Se trata de una obra de Vik Muniz que replica a la perfección el trasero del lienzo. Para ello, empleó una fotografía del reverso de Las meninas que se hizo en junio de 2018, aprovechando que se descolgaba para realizar un estudio técnico de la obra. El artista ha tardado dos años en finalizarlo y forma parte de su serie Verso.

Además de Las Meninas, la exposición ahonda en esa ‘cara B’ existente detrás de más de 105 obras, muchas pertenecientes al Prado, y otras que hasta ahora no se habían mostrado en la pinacoteca como un Van Gogh, entre otros. “Las traseras descubren el método y la personalidad del artista”, subrayaba Blanco. Reversos podrá visitarse hasta el próximo 3 de marzo en la pinacoteca más visitada de la capital.

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Marcado por dos guerras mundiales y un exilio, la obra de Marc Chagall (1887-1985) es una huella cromática de nuestro tiempo, anclado en la distinción y el borrado del otro. El pintor bielorruso de origen judío no sólo fue un fascinante descriptor de los pasajes de la Biblia a través de su exacerbado carácter colorista (una palabra que él mismo rechazaba), también un testigo directo de los males contemporáneos que miran al presente.

La Fundación Mapfre ahonda en el carácter convulso de la obra de un pintor que huyó de Rusia hasta Francia, de Alemania a Palestina y de Estados Unidos a México, para instalarse finalmente en el Mediterráneo. Hasta el próximo 5 de mayo, el espacio madrileño alberga la exposición Chagall. Un grito de libertad, una muestra dedicada a la faceta más combativa del pintor y a cómo sus obras son, por ende, una forma de lidiar con las batallas de su entorno y de posicionarse en relación a las guerras (internas y externas) que le acompañaron.

Conmocionado por las experiencias que expresó por medio de su brocha y lienzo, el mundo interior y artístico de Chagall no es tan naif como aparenta en primera instancia: detrás de sus animales y sus intensas gamas cromáticas se esconde un hombre profundamente traumado.

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Surrealismos. La era de la máquina, que se podrá visitar hasta el próximo 21 de abril en la Fundación Canal, pone el foco en el desarrollo social, y por ende artístico, que se produce tras la Primera Guerra Mundial, un evento bélico que traslada las vanguardias a Nueva York. En la Gran Manzana, los pintores y creadores encuentran un enclave que fomenta la modernidad y la ebullición tecnológica: un caldo de cultivo del que partirán muchos de los movimientos que cambiarían el porvenir del arte.

La exposición ahonda en un elemento que fue sustancial para el crecimiento: la máquina, “nacida sin madre, pero femenina y erótica, que surge de sí misma y se reproduce sin un modelo al que imitar”. En este “nuevo mundo” alejado de la rectitud académica, el arte encuentra un luminoso pasillo en el que explorar los límites del lienzo, de las fotografías y de las expresiones artísticas menos convencionales.

La muestra se compone de 125 piezas de nombres como Duchamp, Man Ray, Picabia y Stieglitz. De entrada gratuita, la exposición cuenta con pinturas, fotografías, grabados, dibujos, revistas, catálogos y libros, esculturas, objetos ready-made, y cajas recopilatorias, presentadas en cuatro secciones: El nuevo mundo y la “fotografía pura”, Del desnudo artístico al cuerpo como máquina, De la abstracción a la máquina y Eros y máquina.

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Un like, un match y un fueguito en Instagram. El mundo de las relaciones amorosas se ha convertido en una carrera de obstáculos en la que se compite a través del 5G. En una coyuntura en la que la libertad sexual está a la orden del día y la inteligencia emocional es el requisito más demandado en las citas, la artista asturiana Noemí Iglesias Barrios (Langreo, 1987) profundiza en la idea del amor romántico en la era de las redes sociales.

En Love Me Fast la artista ahonda en la idea de felicidad consumista que emborrona las relaciones, hablando en sus obras, además, del amor tóxico que nos rodea debido a la herencia emocional adquirida. El resultado es una serie de piezas de gran belleza que, al mismo tiempo, cuestionan lo considerado arte y artesanía en la Historia. Con una veintena de piezas que dialogan con algunos cuadros de las colecciones del museo (y que están realizadas en medios tan diversos como bronce, cristal, vídeo, fotografía y, principalmente, porcelana), esta exposición se podrá visitar en el Museo Thyssen-Bornemisza hasta el próximo 28 de abril.

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El 2023 se ha convertido en el año más cálido desde que hay registros, que se remontan a 1850. Desde el pasado mes de junio, indica el informe 2023 Global Climate Highlights, se registraron temperaturas sin precedentes a nivel mundial, superando por un amplio margen al año 2016, hasta ahora considerado como el más caluroso de la historia. En una coyuntura en la que la crisis climática se habla en presente, el arte también dialoga con la naturaleza.

Eso es, precisamente, lo que propone el CaixaForum de Madrid con su muestra Arte y naturaleza, un tratado visual y pictórico en el que se representan todas las conexiones y relaciones de la pintura con el medio natural. El enclave cultural de la capital acogerá una exposición con más de 80 obras procedentes del Musée National d’Art Moderne – Centre d’Art Georges Pompidou y de pintores de la talla de Kandinsky, Picasso, Miró, Dalí, Le Corbusier, Paul Klee, Raoul Hausmann, Alberto Giacometti, Alvar Aalto, Dubuffet y Georgia O’Keeffe.

La muestra entabla una conversación entre el pasado y el presente, poniendo el foco en la fascinación de los artistas contemporáneos por las formas que se erigen en la naturaleza. La exposición propone un recorrido por el arte del siglo XX e inicios del XXI a través de los diversos lenguajes creativos que se conformaron entre el arte y el ecosistema que les rodeaba. Las formas del agua, de la tierra y el movimiento del aire fueron elementos que los pintores y artistas quisieron trasladar a sus lienzos.

La exposición se podrá visitar desde el 19 de febrero hasta el 9 de junio. Pintura, escultura, fotografía, diseño y arquitectura se fusionan en un recorrido transversal, estructurado en cuatro secciones temáticas: metamorfosis, mimetismo, creación y amenaza. Arte y naturaleza pretende, además, poner el foco en la problemática ambiental actual, hablando de cómo la naturaleza está en peligro de desaparición: en la muestra se impone la necesidad de reconsiderar los vínculos del ser humano con el mundo que habita.

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