Pop, Techno und Psychedelie: Caribou kommt in Buenos Aires an

„Ich habe mich immer wie ein Außenseiter gefühlt, ich passe nicht ganz in die Welt der elektronischen Musik oder gar in den Bereich der Songs“, erzählt der kanadische Musiker Dan Snaith Infobae Cultura, Tage bevor er nach Buenos Aires reist, wo er zum ersten Mal mit seiner bekanntesten Facette Caribou auftreten wird Donnerstag im Center Cultural Konex. Snaith ist derzeit auf Tournee, um sein neuestes Album Suddenly (2020) zu präsentieren, das vielseitigste und persönlichste seiner Karriere. Er ist einer der erfahrensten Künstler an der Schnittstelle zwischen Tanz und Popkultur. Seine Musik bleibt nie an einem Ort und kreuzt verschiedene Genres in einer weiten Passage zwischen den Tanzflächen und der Intimität des Hauses, wo sich Euphorie und Reflexion vermischen.

Zu Beginn des neuen Jahrtausends erregte der gebürtige Ontario-Stadt, der heute in London lebt, mit seinem Debütalbum unter dem Namen Manitoba, Start Breaking My Heart, die Aufmerksamkeit der Fachpresse, in dem er die endlosen musikalischen Möglichkeiten des Samplings durch das disruptive Lektionen von DJ Shadow und Aphex Twin. Seine Suche wurde noch interessanter mit seinem zweiten Album Up in Flames, ein Eintauchen in die hallenden Klänge der Psychedelie und den experimentellsten Jazz - die Ursprünge der elektronischen Musik -, übertragen durch intensive Perkussionsrhythmen. Seine Rezension von Genres und Stilen ist in seiner Musik immer präsent, aber ab 2010 begann er sich mit der Veröffentlichung von Swim in den Klängen seiner Zeit zu behaupten und erfand sich als Künstler neu, der eine Party entzünden konnte, insbesondere mit seinem Nebenprojekt Daphni.

Caribous weiter Horizont lässt sich in einem Mixtape von fast tausend Songs verfolgen, die auf Spotify und Youtube verfügbar sind und die Snaith selbst vor einigen Jahren geteilt hat. Die lange Liste mit viel Hip-Hop umfasst einige Kuriositäten brasilianischer Musik und psychedelischer Folk aus der chilenischen Congregación. Im Interview mit Infobae Cultura räumt der Musiker ein, dass er kaum argentinische Musik gehört hat, obwohl er glaubt, kürzlich einen nationalen Rocksong gesampelt zu haben. Snaith Neugier und Zartheit werden während des Gesprächs übertragen. Er entschuldigt sich für seinen Zeitplan, als er erwähnt wird, dass seine Show mit dem Nationalfeiertag vom 24. März zusammenfällt, und bittet um weitere Einzelheiten zu den Fakten. „Ich hoffe, ich respektiere nicht und dass wir trotz allem eine gute Zeit haben können“, sagt er, bevor er fertig ist.

—Nach zwei Jahren Pandemie konnten Sie endlich auf Tour gehen. Wie lebt man das Erlebnis im aktuellen Kontext und wie erhält das Publikum diese Songs?

„Es freut uns, wieder spielen zu können, die Leute, die uns besuchen, kennen die neuen Songs bereits sehr gut und für uns ist es die Gelegenheit, uns wieder mit diesem Material zu verbinden. Sobald ich ein Album aufgenommen habe, höre ich es mir nie wieder an. Daher ist die Vertrautheit mit den Songs live etabliert, da man sieht, wie man sie adaptiert und wie sie sich ändern.

Wir sind jetzt in Deutschland, was offensichtlich eng mit der Kriegskrise zusammenhängt, weil viele Flüchtlinge ankommen. Und vor ein paar Tagen haben wir in der Tschechischen Republik, Slowenien und Kroatien gespielt, die zwar nicht an die Ukraine grenzen, aber zu Osteuropa gehören. Die Wahrheit ist, dass es schwierig ist zu wissen, wie man von der Bühne aus auf diese Situation oder auf all die Ängste und komplizierten Momente reagieren soll, die viele Menschen in letzter Zeit aufgrund von Covid erlebt haben. Was wir bemerken ist, dass es in der Öffentlichkeit so viele unterdrückte Emotionen gibt, dass sie versuchen, sie gemeinsam freizusetzen. Der Wunsch, mit anderen zusammen zu sein, um sich zumindest für eine Weile gut zu fühlen, ist offensichtlich. Natürlich haben wir alle Verantwortung, aber das heißt nicht, dass wir nicht zusammenkommen und Musik genießen können. Ich denke, es ist sehr wichtig, dass dies passieren kann.

„Sie hatten immer einen Fuß in der Geschichte der Popmusik und einen anderen in der aktuellsten Musik, aber im letzten Jahrzehnt scheint es, als hätten Sie die Balance zwischen beiden gefunden, sodass Ihre Musik ein breiteres Publikum erreichen kann. Hast du das Gefühl, dass es eine Veränderung gab?

„Mir scheint, dass sich auch das musikalische Klima geändert hat. In den frühen 2000er Jahren waren die Künstler, mit denen ich etwas gemeinsam hatte, Bands wie Animal Collective oder Black Dice, die Teil einer damals sehr lebendigen experimentellen Musikszene waren, oder auch mit anderen, die den psychedelischen Rock auf irgendeine Weise wieder aufnahmen. Es war interessant, ein Album wie Andorra zu veröffentlichen, das wahrscheinlich das mit den meisten Verweisen auf eine bestimmte Zeit in der Vergangenheit wie die 1960er Jahre hat, und es war auch ein bisschen komisch, weil ich es mit sehr kleinen Samples in einem Raum zusammengestellt habe, anstatt es in einem Luxusstudio mit Orchester aufzunehmen die Art der Zombies, The Byrds oder The Beatles. Aber beginnend mit Swim (2010), das stark von allem beeinflusst ist, was zu dieser Zeit in einigen Londoner Clubs passiert ist, begann ich mich zu fragen, ob meine Musik nicht zusätzlich zu meiner eigenen Lebensweise eine Art zeitgenössische Musikkultur widerspiegeln sollte. Und das ist besonders einfach, wenn Sie das Gefühl haben, dass neue Dinge passieren. Ich denke, dass ich dort etwas beitragen kann, obwohl ich mich immer als Außenseiter gefühlt habe, passe ich nicht ganz in die Welt der elektronischen Musik oder sogar in den Bereich der Songs.

„Du hast immer zu Hause geschrieben. Hast du jemals darüber nachgedacht, mit dem Rest der Band in einem Studio aufzunehmen?

„Ich arbeite lieber alleine. Ich bin es so gewohnt, in meinem Heimstudio zu komponieren, dass mir die Idee, mit anderen Musikern aufzunehmen, ohne sicher zu sein, was ich tun soll, schrecklich erscheint. Ich habe diese gesellige Seite, die ich gerne vor dem Publikum spiele oder mit anderen Menschen zusammenarbeite und herausfinde, wie ich mit jedem von ihnen zusammenarbeiten kann, aber dann gibt es diese Seite meiner Persönlichkeit, die für alles verantwortlich sein und die Zeit haben möchte, um in die kleinsten Details einzutauchen. Ich möchte eine Aufnahme unserer Shows haben und sie als Album veröffentlichen, weil die Live-Songs sehr unterschiedlich sind. Sie werden zu langen Improvisationen oder wir interpretieren sie auf unterschiedliche Weise neu. Ich glaube, ich bin ziemlich glücklich, beides machen zu können.

— Hat plötzlich einen Sound, der im Hip-Hop der 90er Jahre abkürzt. Gab es signifikante Veränderungen in der Art und Weise, wie wir sampeln, von Anfang an, als Elektronik zu einem globalen Phänomen wurde, bis zu diesen Zeiten, in denen jeder ein Album aufnehmen kann?

„Ab einem bestimmten Punkt fällt auf, wie ähnlich es sich weiterhin ähnelt. Meine Art zu musizieren hatte immer mit Samples zu tun, die ich auf Alben aus anderen Zeiten gefunden habe, kombiniert mit den Melodien und Rhythmussequenzen, die ich baue. Und das hat meiner Meinung nach mit meiner Erfahrung zu tun, Künstlern wie Aphex Twin oder Wu-Tang Clan zum ersten Mal zuzuhören. Ihre Aufzeichnungen schienen mir zugänglich zu sein, sie brauchten wahrscheinlich nicht viel teure Ausrüstung, um sie zu komponieren. Damals brauchte man einen Sampler, verbinde alles über einen Midi und so weiter. Obwohl es im Laufe der Jahre mit Ableton oder ähnlichem immer einfacher wurde, ist der Vorgang grundsätzlich derselbe: Audio von jeder Quelle mischen zu können, sei es das Sample einer früheren Aufnahme, ein Instrument, eine Stimme usw., und ihre Zeit zu dehnen oder ihre Tonhöhe zu ändern.

Was sich geändert hat ist, dass ich jetzt mehr Zeit habe, darüber nachzudenken, was ich mache. Ich frage mich immer, ob das neue Material in die Musik passt, die ich zuvor gemacht habe, oder ob es etwas anderes hinzufügt. Ansonsten sehe ich keinen Sinn darin, ein Lied aufzunehmen, das mit den vorherigen identisch ist.

— Was ist normalerweise Ihr Ausgangspunkt beim Komponieren und wie passen Sie am Ende die verschiedenen Teile zusammen?

„Normalerweise programmiere ich ein paar Drums und suche dann nach einer Folge von Akkorden oder etwas Harmonischem, dann nach einer Melodie und am Ende denke ich über die Texte nach. Natürlich füge ich in der Mitte verschiedene Arten von Texturen, Ideen und Gegenmelodien hinzu. Aber es ist wirklich etwas, das sehr unterschiedlich ist, zum Glück. Einige von Suddends Songs, wie „Home“, hätten nicht existiert, wenn ich nicht das Gloria Barnes-Sample gefunden und geloopt hätte, was eine sehr grundlegende Änderung am Originalsong vorgenommen hätte. Manchmal fange ich auf dieser Seite oder mit einer Melodie an. Das Gute daran, das Studio zu Hause zu haben, ist, dass ich jederzeit, wenn ich eine Idee habe, zum Aufnehmen kommen kann.

—In mehreren Interviews betonen Sie, wie wichtig es ist, Fehler zu machen oder Fehler zu machen, da dies Ihren Blick auf den kreativen Prozess erneuert. Könnten Sie diese Idee etwas genauer erklären?

„Ich denke, es lohnt sich, diesen Aspekt hervorzuheben, weil ich ihn am meisten fühle, wenn es ums Musizieren geht. Nach 20 Jahren weiß ich immer noch nicht wirklich, was ich mache. Nur durch einen endlosen Prozess des Experimentierens und des Spielens mit Dingen und dem Versuch mit Hunderten von verschiedenen Ideen finde ich heraus, was sie zu einem Song zusammenfügen kann, den ich mag. Es scheint ein bisschen seltsam, dass dies nach so langer Zeit so ist, aber es ist so. Manchmal lässt mich eine verlegte Note oder ein anderer Fehler feststellen, dass Zeit oder Harmonien nicht so waren, wie ich dachte, und eine andere Perspektive eröffnet sich für dieses Stück. Ich habe keine klare Absicht, wenn ich mit dem Komponieren beginne, ich lasse einfach Dinge geschehen.

LESEN SIE WEITER: