Cuando se trata de cine, ¿por qué esperar a las listas de lo mejor del año? Varias películas ya han obtenido tres estrellas, o más, de los críticos y colaboradores de The Washington Post (Ann Hornaday, Ty Burr, Amy Nicholson, Jen Yamato, Jessica Kiang, Michael O’Sullivan, Mark Jenkins y Michael Brodeur, identificados por sus iniciales a continuación)
Guerra civil [Civil War]
El guionista y director Alex Garland no investiga cómo empezó esta guerra ni cuánto tiempo lleva o si merece la pena luchar. Su película, esbelta y cruel, trata sobre la ética de fotografiar la violencia, y esa ceguera lo hace avanzar con entusiasmo. La película se siente poética y profundamente verdadera, incluso cuando sugiere que los seres humanos son más propensos a destrozarse unos a otros por pequeños agravios que por la defensa sincera de algún tipo de principios. Protagonizada por Kristen Dunst, Wagner Moura, Cailee Spaeny. (R, 109 minutos) - Amy Nicholson.
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Rivales [Challengers]
Un triángulo romántico de temática tenística, hábil, sexy y muy entretenido, que ofrece a tres jóvenes intérpretes en la cima de su juego, bajo la dirección de Luca Guadagnino, un director que les da espacio para balancearse en todos los sentidos de la palabra. La película es un canto al trabajo duro y al hedonismo, y aunque sus placeres son, sobre todo, superficiales –hierba, barro, emociones–, hacía demasiado tiempo que no teníamos un retozo inteligente como éste. Mike Faist y Josh O’Connor interpretan a estrellas del tenis en ascenso; Zendaya es su entrenadora, que mantiene el centro con su frente furiosamente fruncida. (R, 131 minutos) - Ty Burr.
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Pequeñas cartas malvadas [Wicked Little Letters]
Una película de arte y ensayo, basada en un hecho histórico real, que cubre con un barniz de clasicismo a personajes caricaturescos y valores sociales cambiantes. En 1920, en un sucio pueblo costero inglés, alguien ha estado enviando cartas anónimas a Edith (Olivia Colman), una señora de la iglesia, escritas en un lenguaje tan obsceno que es prácticamente una forma de arte, y las sospechas recaen rápidamente sobre la malhablada Rose (Jessie Buckley), una madre soltera recién llegada de Irlanda. La película es divertida y sorprendentemente obvia, una comedia costumbrista que solo insinúa los impulsos humanos más oscuros. (R, 100 minutos) - T.B.
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Atardercer en Sasquatch [Sasquatch Sunset]
O la película más tonta que verás en 2024 o una de las más inesperadamente conmovedoras, pero, como dice el meme, ¿por qué no ambas? Un año en la vida de una familia de Bigfoots –¿Bigfeet?– funciona a la vez como un slapstick a cámara lenta, un documental de naturaleza muy peludo y un melancólico retrato de criaturas no muy diferentes a nosotros que se enfrentan a su propia desaparición de la Tierra. Sin más narración ni diálogos que gruñidos, chillidos y gorjeos, la película pone al público en el mismo (gran) plano que los personajes. Protagonizada por Jesse Eisenberg, Riley Keough y Nathan Zellner. (R, 89 minutos) - T.B.
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Ennio
Ennio Morricone, ganador de dos Oscar y fallecido en 2020 a los 91 años, fue un compositor y arreglista de música que ayudó a definir cómo suena ir al cine. Ahora, el director Giuseppe Tornatore, que trabajó con Morricone en casi todas sus películas, incluida Cinema Paradiso (1988), se centra en el compositor responsable de las legendarias partituras de El bueno, el feo y el malo, La cosa” y más de 500 películas. Con casi tres horas de duración, Ennio es un largo recorrido, exhaustivo sin llegar a ser agotador. Aunque no le vendrían mal algunos retoques, su duración parece fruto de un ardor y un cuidado auténticos. (No calificada, 156 minutos) - Michael Brodeur.
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El Joker del pueblo [The People’s Joker]
El negocio de las superproducciones de superhéroes de Hollywood se ha vuelto creativamente rancio, pero la irreverente obra renegada de Vera Drew es justo el antídoto que el género necesita desesperadamente. Esta maravilla de bajo presupuesto, desafiante y personal, es a la vez una dura carta de amor a la propiedad intelectual que satiriza y una mordaz crítica a las instituciones de la comedia convencional. En ella, Drew interpreta a Joker, una mujer transexual en el armario y aspirante a cómica que abandona su Smallville natal por una Gotham City distópica. Su película es el golpe cinematográfico del año, ya que por fin ofrece la antiheroína que Hollywood se merece. (Sin clasificar, 92 minutos) - Jen Yamato.
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Shayda
La actriz iraní Zar Amir Ebrahimi tiene los ojos de una heroína del cine mudo y el rostro de un Modigliani. En reposo, puede transmitir una sensación de tristeza que resulta elegante y atemporal, pero en Shayda, esa quietud está cargada de una amenaza concreta: la angustia de una mujer que huye de un marido maltratador. Realizada con una asombrosa sensibilidad hacia el estado de ánimo y el momento, la película supone un sólido debut para la guionista y directora iraní-australiana Noora Niasari, que extrae su propia experiencia y la de su madre para un drama de suspense apasionante y tierno a la vez. (PG-13, 117 minutos) - T.B.
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La quimera [La Chimera]
La antigüedad y la modernidad conviven en las películas de la italiana Alice Rohrwacher, impregnadas de la atemporalidad de un cuento popular que se cuenta alrededor de una hoguera. La última película de la guionista y directora trata de una banda de rufianes tombaroli (ladrones de tumbas) de clase trabajadora que desentierran antiguos objetos etruscos y los venden en el mercado negro, pero también es una meditación sobre la tensión entre romantizar el pasado y sacar provecho de él. Sabia, divertida y misteriosa, es un encanto único. (Sin clasificar, 132 minutos) - T.B.
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El amor sangra [Love Lies Bleeding]
La magnífica y pulposa película de Rose Glass es un delirio espeluznante de furia femenina y romance en el que la homosexualidad no es un lastre ni un simple hecho de la vida que merece respeto: Es un maldito superpoder. Kristen Stewart, con un espeluznante salmonete y una camiseta sin mangas, interpreta a la directora de un gimnasio que se enamora perdidamente de una culturista vagabunda (Katy O’Brian). Hay pirotecnia, dedos de los pies chupados y una mandíbula arrancada a golpes de un cráneo. En términos de gore gráfico, la escena del pisotón en la cabeza de American History X y el momento en que se parte un cadáver de Bone Tomahawk tienen que estar en el podio. (R, 104 minutos) - Jessica Kiang.
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Dispararon al pianista [They Shot the Piano Player]
El cineasta español Fernando Trueba (Belle Époque) y el artista y codirector Javier Mariscal celebran el espíritu de la bossa nova brasileña y los fantasmas de artistas que solo viven en grabaciones y entrevistas de archivo. Pero el fantasma central de este documental animado sigue siendo una incógnita conmovedora y frustrante: Francisco Tenório Júnior, un talentoso pianista, considerado por sus compañeros como uno de los mejores de su generación, que desapareció en 1976 mientras estaba de gira por Argentina. Dispararon al pianista no desvela un misterio tanto como confirma una tragedia. (PG-13, 103 minutos) - T.B.
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Cuatro hijas [Four Daughters]
El cine como terapia familiar y la terapia familiar como cine. Este apasionante documental de Kaouther Ben Hania, guionista y director, introduce a actores en el hogar de una madre tunecina llamada Olfa y sus dos hijas menores, ambas adolescentes. Las tres mujeres se interpretan a sí mismas junto a dos actores profesionales que encarnan a los dos hermanos desaparecidos de las niñas: lo que les ocurrió se irá desvelando, giro a giro. (Sin clasificar, 110 minutos) - A.N.
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Días perfectos [Perfect Days]
La premisa es perfectamente sencilla: Hirayama (Kôji Yakusho) vive en Tokio, donde se dedica a limpiar cuartos de baño con el mismo cuidado y detalle que dedica a los plantones de árboles que cultiva en su modesto apartamento, escasamente amueblado. El hecho de que el guionista y director Wim Wenders haya titulado Días perfectos a una película sobre la limpieza de retretes podría parecer a algunos espectadores el colmo del absurdo, incluso del humor perverso (la película tiene más de un tufillo a Jim Jarmusch en su versión más irónicamente absurda). Pero una vez que ven a Hirayama en acción, se revelan los sueños que se esconden tras la monotonía. (PG, 123 minutos) - Ann Hornaday.
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Steve
Dirigido por el oscarizado cineasta Morgan Neville (Twenty Feet from Stardom), este documental sobre el cómico Steve Martin se divide en dos partes, tituladas “Entonces” (94 minutos) y “Ahora” (97 minutos). La primera mitad, la menos interesante, es bastante estándar y cubre con detalle agradable pero repetitivo el periodo de ascenso gradual de Martin como monologuista hasta llegar a vender entradas en estadios. La segunda parte, mucho más atractiva, se sumerge en la carrera cinematográfica de Martin, incluye entrevistas (a Jerry Seinfeld, Tina Fey, Lorne Michaels) y ofrece momentos sinceros con su mejor amigo, Martin Short. (TV-MA, 191 minutos en dos partes) - J.K.
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La zona de interés [The Zone of Interest]
El retrato de una familia que vive al lado de Auschwitz, de Jonathan Glazer, ganador de un Oscar, es en realidad dos películas en una: la película que el público ve en la pantalla –un drama doméstico bucólico, lleno de niños, jardines y rituales cotidianos– y la película que evocamos en nuestras mentes, con imágenes de cuerpos demacrados, cabezas rapadas y gritos apenas audibles por encima del tintineo de las tazas de té y el arrullo de los bebés. Adaptación de la novela de Martin Amis, la película trata sobre la negación y la banalidad del mal de Hannah Arendt. Pero las contorsiones mentales a las que se someten Rudolf Höss (Christian Friedel) y su esposa Hedwig (Sandra Hüller) para justificar su propia monstruosidad van más allá del olvido y se convierten en algo mucho más insidioso y atemporal. (PG-13, 106 minutos) - A.H.
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Origen [Origin]
La audaz y ambiciosa adaptación de Ava DuVernay del libro “Casta”, igualmente audaz y ambicioso, opera en tantos niveles a la vez que el efecto es a menudo vertiginosamente desorientador. Pero aguante: Los espectadores que se dejen llevar por este viaje amplio y a veces digresivo saldrán no solo edificados, sino también emocionalmente exprimidos y, de algún modo, limpios. (PG-13, 135 minutos) - A.H.
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El sabor de las cosas [The Taste of Things]
Una radiante Juliette Binoche interpreta a Eugénie, una cocinera superdotada que desde hace 20 años dirige la cocina de un epicúreo del siglo XIX llamado Dodin Bouffant (Benoît Magimel). Nadie suda en El sabor de las cosas: brillan. Nadie jura ni grita “¡Esquina!” o “¡Sí, chef!” –susurran, o simplemente lanzan una mirada aprobatoria de satisfacción gustativa–. Esta es la anti-“Oso”, una sensual fantasía de placer gastronómico menos olorosa a ternera que El festín de Babette. (PG-13, 134 minutos) - A.H.
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Anselm
Nacido dos meses antes de la rendición de los nazis, el célebre artista alemán Anselm Kiefer creció entre los escombros de su patria. La destrucción le sigue atrayendo e incluso deleitando, como demuestra Wim Wenders en su épico documental en 3D. Los colosales espacios que Kiefer habita y transforma son ideales para el enfoque de Wenders, que transmite la fisicidad de la obra del artista y sitúa al espectador virtualmente dentro de la vorágine de la creación. Es un lugar fascinante, aunque algo desconcertante. (Sin clasificar, 93 minutos) - Mark Jenkins.
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Cómo tener sexo [How to Have Sex]
El título de este prometedor debut como guionista y directora de Molly Manning Walker es algo engañoso. Su retrato asombrosamente íntimo de unas adolescentes en busca de la fiesta interminable durante sus vacaciones de verano en Grecia se describe más bien como un tutorial sobre cómo no tener sexo, es decir, cuando eres joven, estás ebrio, te sientes presionado o eres vulnerable a la manipulación. En su franqueza y a menudo aterradora franqueza, está a la altura de dramas sobre la mayoría de edad como Thirteen y The Diary of a Teenage Girl, con una pizca de Spring Breakers. (Sin clasificar, 90 minutos) - A.H.
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Io Capitano
El drama de Matteo Garrone, nominado al Oscar y dedicado a los inmigrantes, crea un viaje del héroe que parece totalmente actual: inspirado en historias reales de inmigrantes africanos, pero narrado con episodios de desgarradora verosimilitud y alucinante realismo mágico. Es una película a veces magnífica, pero también difícil de ver. (No calificada, 121 minutos) - Michael O’Sullivan.
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La sala de profesores [The Teachers’ Lounge]
A pesar del título de la película alemana candidata al Oscar, el escenario principal es un aula de sexto curso, donde últimamente han desaparecido cosas. A medida que las autoridades escolares intentan llegar al fondo de los robos, el aula se convierte en un espejo del mundo exterior, con toda su diversidad, divisiones y descontentos. La película es mucho más que una novela policíaca convencional, aunque crea una buena dosis de suspense mientras aborda temas como la justicia, la duda y la parcialidad. Su mensaje más amplio también es digno de ser escuchado, aunque no sea exactamente una noticia: en la era de la cultura de la cancelación, el aula es un campo de batalla. (PG-13, 98 minutos) - M.O.
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A veces pienso en morir [Sometimes I Think About Dying]
Tan discreta en tono y emoción como los conjuntos neutros de color beige y marrón que luce su tímida protagonista, una oficinista (Daisy Ridley), esta película ofrece una historia de amor poco convencional: menos sobre la emoción del romance que sobre el terror –y la liberación final– de la conexión. La directora Rachel Lambert cuenta su historia con una reserva que se compensa con una ternura genuinamente conmovedora hacia sus personajes, imperfectos pero perspicaces. Es un poco deprimente, sí, pero también muy estimulante. (PG-13, 91 minutos) - M.O.
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El monje y la pistola [The Monk and the Gun]
Esta comedia dulce y desenfadada ofrece una sátira socarrona del polarizado mundo actual. Escrita y dirigida por Pawo Choyning Dorji, y centrada en los preparativos de Bután para las elecciones democráticas celebradas por primera vez en 2008, comparte el mismo espíritu irónico y la suave tensión entre tradición y modernidad que caracterizaron la conmovedora película Lunana: Un yak en el aula, pero con algo más de mordiente. (PG-13, 112 minutos) - M.O.
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Chicas malas [Mean Girls]
Este híbrido reiniciado de la exitosa película de 2004 Mean Girls y el musical de Broadway del que surgió, sabiamente no intenta simplemente adaptar a la pantalla algo que funcionó en el escenario y que no se trasladaría al cine. Sí, tiene canciones (de Jeff Richmond y Nell Benjamin), pero se sienten abreviadas y ligeramente disminuidas, más en el contexto de la narrativa original de la vergüenza viral, que ha sido adaptada a nuestros tiempos de TikTok. El remake es agudo, bien actuado y divertido, y hay algunas sorpresas para los cultistas de Mean Girls. (PG-13, 105 minutos) - M.O.
Fuente: The Washington Post.
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