La música pop tiene mucho que decir sobre la madurez. Lo más probable es que tus artistas favoritos de la época te dieran una o dos lecciones sobre cómo encontrar tu camino y sobrellevar los sinsabores. Tres musicales de la cartelera de Broadway - Hell’s Kitchen, The Heart of Rock and Roll e Illinois- convierten canciones de artistas populares en atractivas variaciones de la historia sobre la madurez. En una industria teatral en la que lamentar la supremacía del material preexistente se ha convertido en un cliché, duplicar el factor nostalgia -por la propia música y por una época en la que todo parecía posible- es una idea inteligente.
Los tres espectáculos enriquecen melodías conocidas para adaptarlas a toda una gama de instrumentos y voces: sus supervisores musicales, orquestadores y arreglistas son los verdaderos, y a menudo no reconocidos, MVP (N. de la R.: por sus siglas en inglés, “Jugador más valioso”). Y proporcionan placeres distintos, gracias a una combinación de talento sobre el escenario y fuera de él, compromiso con un ambiente e inventiva a la hora de ir más allá del obediente servicio a los fans, para ofrecer algo más sorprendente.
Las pruebas de la adolescencia de Ali en Hell’s Kitchen -salir con el chico equivocado, rebelarse contra su madre y aprender a tocar el piano- no son el jugoso material de un especial entre bastidores sobre Alicia Keys, que ha dicho que el libro de Kristoffer Diaz es una versión ficticia de su educación en Nueva York. A diferencia de muchas vidrieras de catálogos de canciones, el propulsivo y conmovedor musica en el Shubert Theater, no es un acto de automitología.
La trama de Hell’s Kitchen, en la que las chicas se encuentran con el mundo, aunque no carece de algunos tropos trillados, deja que sea la música desgarrada de Alicia Keys la que lleve la voz cantante. Las letras poéticas y las melodías evangélicas elevan los dramas cotidianos a la categoría de asuntos de importancia cinematográfica, un acertado pasatiempo de la adolescencia.
El supervisor musical Adam Blackstone, con la colaboración de Tom Kitt (en la orquestación) y Keys (en los arreglos), transforma éxitos hipnóticos como “Girl on Fire” y “Empire State of Mind” en números de producción que hacen temblar el esternón, con una coreografía rápida y ágil de Camille A. Brown. Igual de impactantes son los himnos de personajes solitarios al piano, o los inesperados tratamientos de baladas como “Fallin’” y “No One”, que amplían el torrente de sentimientos que puede desatar la música de Keys.
Dirigida por Michael Greif, la producción tiene un aire de película de Manhattan (las proyecciones fotográficas en color son de Peter Nigrini) y un gran talento vocal: los riffs de Gianna Harris; los dulces y hábiles agudos de Brandon Victor Dixon (Davis, el padre de Ali); y, sobre todo, el alma triste y subterránea de Kecia Lewis (la profesora de piano de Ali, Liza Jane). También está Shoshana Bean, que destroza su voz como una guitarra eléctrica en el papel de Jersey, la madre de Ali.
Los sueños de arrasar en el escenario con sus desamparados compañeros de banda distraen a Bobby (Corey Cott) de sus ambiciones más adultas en The Heart of Rock and Roll, un nuevo musical audazmente disparatado que se ha convertido en el llamativo “¿Quién lo conocía?” de la temporada. Ambientado con el nuevo power pop ondulante de Huey Lewis and the News, el espectáculo no lo apuesta todo precisamente a la modesta celebridad de su homónimo, que saludaba a un puñado de clientes a las puertas del James Earl Jones Theater, en la noche del estreno para la prensa.
El argumento, surgido de la devoción de la banda por “Workin” for a Livin”” y “The Power of Love”, es a la vez obstinadamente tonto y una astuta visión de los pujantes años 80 (el libro es de Jonathan A. Abrams, la historia de Abrams y Tyler Mitchell). “Yo solía ser un renegado”, aúlla Bobby, dando vueltas a motor por una fábrica de cajas de cartón con sus acelerados compañeros de trabajo. Y ahora, obviamente: “¡Está de moda ser anticuado!”.
El enigma de Bobby -perseguir el rock and roll o el material de envío- hace un guiño a los integrantes de la Generación X que dejaron a un lado su vena rebelde para asentarse y entrar en una economía próspera: cada estribillo es una garantía de que tomaron la decisión correcta. Para ser una película autoconsciente, está engañosamente bien elaborada.
Dirigida con ingenio seguro por Gordon Greenberg, la desenfadada producción está salpicada de gags visuales y toques de estilo retro (el acertado diseño del peinado, las pelucas y el maquillaje es obra de Nikiya Mathis). McKenzie Kurtz demuestra por qué el compromiso es oro cómico en el papel de Cassandra, la nerviosa hija del jefe y potencial novia de Bobby. Tamika Lawrence es una asesina de una sola línea en el papel de Roz, la jefa de Recursos Humanos.
Aunque no hay mucha variedad en el entusiasmo de la banda (orquestada con solidez por el supervisor musical y arreglista Brian Usifer), la partitura es un vehículo pegadizo para el chorro de patadas altas aeróbicas y movimientos de cadera del coreógrafo Lorin Latarro, que también destaca en el humor físico creativo.
A pesar de su seriedad, Illinoise, que se presenta en el St. James Theater tras su estreno en marzo en el Park Avenue Armory, tiene algo de lúdico. El musical de danza imagina las canciones narrativas del álbum conceptual de Sufjan Stevens como entradas de un diario compartidas por amigos alrededor de una hoguera de farolillos (el libro es de Justin Peck y Jackie Sibblies Drury; la encantadora iluminación, de Brandon Stirling Baker). Tres vocalistas (Elijah Lyons, Shara Nova y Tasha Viets-VanLear) con alas de mariposa pintadas a mano armonizan maravillosamente las letras de Stevens con una orquesta elevada sobre el escenario.
Dirigida y coreografiada por Peck, residente en el New York City Ballet, Illinoise cuelga suspendida en algún lugar entre la pantomima y la danza moderna, un collage de gestos y fragmentos de ballet que comparte más ADN con los álbumes visuales contemporáneos que con los musicales de escenario (aunque me viene a la mente “Movin’ Out”, que puso canciones de Billy Joel a la coreografía de Twyla Tharp). El movimiento es más evocador cuando transmite emociones en abstracto (como en el pas de deux entre Gaby Diaz y Ben Cook, y Ricky Ubeda y Ahmad Simmons), que en sentido literal (un personaje con el corazón roto no necesita tocarse el corazón).
Aquí es donde tengo que admitir que la música de Stevens no es para mí (prefiero mi emo más afilado y menos preciosista), pero las exuberantes orquestaciones y arreglos de Timo Andres demuestran la rotunda extensión de las instrumentaciones de Stevens (la dirección musical y la supervisión son de Nathan Koci). A juzgar por los aplausos en la primera representación en Broadway, los fans han conseguido lo que buscaban: un reflejo del asombro y la incertidumbre que sienten los jóvenes al adentrarse en un futuro desconocido.
* Hell’s Kitchen, en cartel en el teatro Shubert de Nueva York y The Heart of Rock and Roll, en cartel en el James Earl Jones Theater de Nueva York; Illinoise, hasta el 10 de agosto en el St. James Theater de Nueva York.
Fuente: The Washington Post
[Fotos: Marc J. Franklin y Matthew Murphy - The Washington Post]
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