Alexander Payne: la inspiración de “Los que se quedan” y las películas que le dieron forma

Hay rituales en una película de Alexander Payne. En la posproducción, él y su editor de toda la vida, Kevin Tent, reunirán a sus colaboradores para el Tie Day del martes (las mujeres pueden usar corbata o perlas) y los martinis del viernes por la noche, durante los cuales Payne saca su proyector de 16 mm para reproducir viejos carretes que ha comprado en eBay.

“Compré en exceso”, dice Payne, sonriendo. “Si no tienes las instalaciones de almacenamiento adecuadas, empiezas a tener el síndrome del vinagre. Tenía una hermosa copia de ‘The Breaking Point’ (es una de mis películas favoritas) y al año le dio el síndrome del vinagre y tuve que tirarla”.

Un profundo afecto por el cine tiende a ir de la mano de la realización cinematográfica. Lo último de Payne, la aclamada Los que se quedan, comenzó hace años con una película antigua. El director de 62 años, radicado en Omaha, Nebraska, captó una restauración de la comedia francesa Merlusse de 1935. El marco básico de la trama: una profesora muy detestada se queda durante las vacaciones de Navidad con un puñado de niños que no tienen a dónde ir a casa – le pareció una buena base para una película.

Los que se quedan (The Holdovers) está protagonizada por Paul Giamatti como un profesor cascarrabias de clásicos en una situación similar en una escuela preparatoria de Nueva Inglaterra en 1970. La película, escrita por David Hemingson, combina parte del concepto cómico para centrarse en tres personajes sin sentido: Paul Hunham (Giamatti), un estudiante inteligente y menos acomodado llamado Angus Tully (Dominic Sessa) y la afligida gerente de la cafetería Mary Lamb (Da’Vine Joy Randolph).

El filme es el intento de Payne de hacer no sólo una película ambientada en los años 70, sino una película real de los años 70, inspirada en algunas de las películas con las que creció. Las películas más antiguas también influyen. “The Holdovers” es, como la luminosa película de Leo McCarey de 1937 La cruz de los años, una película adorada por Payne, un tierno drama realizado con el toque humanista de un cineasta que se siente cómodo en la comedia.

En un reciente día de otoño en Manhattan, Payne se reunió con un periodista para hablar sobre algunas de las películas que inspiraron “The Holdovers” y que lo formaron como cineasta, una conversación que, como en medio de la promoción de su esperada candidata al Oscar, acogió con agrado. “Me gusta más hablar de las películas de otras personas que de las mías”, Payne se encogió de hombros.

— ¿Proyectaste alguna película para tu elenco o equipo antes de filmar “Los que se quedan”?

—En el Somerville Theatre de Boston tuvieron la amabilidad de permitirme proyectar seis o siete copias de películas (películas de los años 70) para el director de fotografía, el diseñador de producción, el diseñador de vestuario y también para Dominic porque en realidad no las había visto. películas y quería que él tuviera una idea de la película en la que estaba a punto de actuar. Pasé El graduado, El propietario, Harold y Maude, El último detalle, Klute, Paper Moon y tal vez Todos los hombres del presidente. No estábamos tratando de emular conscientemente la apariencia de ninguna de esas películas, pero todos queríamos chapotear en las películas de nuestros contemporáneos, si hubiéramos estado haciendo una película en ese momento.

—¿Cómo conociste esas películas por primera vez?

— Cuando era niño. “Little Big Man” está en la película. Probablemente lo vi cuatro veces cuando tenía 9 años. Fue en el teatro de la calle. Podría caminar hasta allí. Me encantó esa película. Aún lo hago.

— Parece que estás canalizando especialmente a Hal Ashby en “Los que se quedan”. ¿Qué significó para ti?

— Vi “Harold and Maude” cuando salió por primera vez. Tenía 10 u 11 años. Tenía una relación divertida con “Harold y Maude”. Me encantó cuando salió. Más tarde, cuando era adolescente, pensé que era demasiado tonta. Después lo volví a ver y me volvió a gustar. “El último detalle” estaba demasiado sucia. Nadie me llevaría a ver eso. En mis fiestas de cumpleaños íbamos a ver “Chinatown” o “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Soy un gran cinéfilo, he visto mucho. Pero ese es el período en el que yo era un adolescente y se me estaba imprimiendo el sentido del gusto. Y lo que me dijeron fue un largometraje comercial estadounidense. Ahora se consideran películas de arte o lo que sea. “La última edad de oro”. Bueno, nunca se sabe cuándo estás viviendo en una época dorada.

— ¿Estabas pensando entonces en convertirte en cineasta?

— Lo primero que quise ser en mi vida, como tener menos de 10 años, fue proyeccionista. Tenía un par de proyectores y me encantaba mostrar películas. En la escuela secundaria, quería ser periodista. Pero siempre existió ese sueño lejano de no ser cineasta sino simplemente ir a la escuela de cine. Mis padres me insistían para que fuera a la facultad de derecho. Estaba en el último año de Stanford, tomé el LSAT, pero eso fue todo lo que llegué. Postulé a cinco escuelas de cine y a la Escuela de Periodismo de Columbia. Cuando era estudiante de tercer año en la universidad de Stanford, veía un montón de películas. Cuando vi “Los siete samuráis”, versión restaurada, en el Teatro Castro de San Francisco en la primavera de 1983, fue cuando pensé: absolutamente tengo que postularme para ingresar a la escuela de cine. La frase que me dije y la he repetido desde entonces es: nunca escalaré una montaña tan alta pero quiero estar en esa montaña.

— ¿Hubo otras experiencias cinematográficas fundamentales para ti?

— Antes de eso, las dos películas fundamentales para mí probablemente fueron “Tiempos modernos”, que vi por primera vez cuando tenía cinco años y desde entonces la he visto cientos de veces. Y antes, en la universidad, había visto “Virdiana” de Buñuel. Estaba estudiando en España en la época en que estaba prohibido bajo Franco. Esto era 1981, Franco murió en 1975. Así que todavía estaba en ese período en el que las películas que habían sido prohibidas bajo Franco finalmente se estrenaban en España. Estuve en España la primera vez que proyectaron “La Dolce Vita”. Y “Virdiana”, simplemente no podía creer que una película pudiera ser tan feroz.

— Usted ha dicho antes que, con muchas excepciones, gravita hacia películas que tienen al menos algo de humor.

— Ah, sí. Tienes que tener un chiste en una película. Incluso Antonioni tiene humor. Incluso Kurosawa. Tienes que tener humor. Es injusto de mi parte decirlo pero lo digo. Saldré de una película y alguien dirá: “¿Cómo te fue?” Diré: “Fue bastante bueno, pero no es broma”.

— ¿Hubo cineastas que conoció después de “Citizen Ruth” o “Election”?

— Mike Nichols y Francis Coppola se acercaron a mí después de “Election” y me dijeron: “Oye chico, me gustó tu película”. Inmediatamente dije: “¿Puedo ir a verte?” Y luego desarrollamos cierta amistad. Un cambio de vida. Conocí a Bob Rafelson (director de “Five Easy Pieces”) muchas veces. Él y yo mantuvimos correspondencia poco antes de su fallecimiento. Milos Foreman que conocí. Jim Taylor, mi coguionista, solía ser el asistente de Ivan Passer. Milos e Ivan eran compañeros de escritura en los que Jim y yo nos vimos reflejados un poco. Nos encantó “Fireman’s Ball”.

— Usted fue visto como parte de una generación de cineastas estadounidenses, junto con directores como Wes Anderson y Paul Thomas Anderson, a quienes se comparó con esa generación de los años 70. ¿Te sentiste como si fueras parte de algo?

— Soy parte de ese grupo, cómo lo llamaron, años 90, indie, y supongo que lo sentimos o nos lo impusieron. La mayoría de nosotros nos formamos en la escuela de cine como aquellos tipos de los 70. Se escribió mucho sobre ella en 1999: “Rushmore”, “Malkovich”, “Fight Club”, “Boys Don’t Cry”, “Election”, “Virgin Suicides”. “Boogie Nights.” Hablaban de eso como del indie 1939. Estábamos saliendo un poco, no mucho. Recuerdo que el MOMA estaba rindiendo homenaje a algunos directores jóvenes. David O. Russell consiguió el primero y todos fuimos a esa fiesta. Salimos después y todavía tengo fotos de eso en alguna parte. Los Coen, Spike Lee, Jim Jarmusch... estaban un poco por delante de nosotros. Y, por supuesto, Steven Soderbergh está dando vueltas sobre todo. Él lidera el camino. Mike Nichols solía decir: “Soderbergh lidera el camino”.

Fuente: AP