Cannes 2023: Scorsese, Almodóvar y la nueva de Indiana Jones copan los primeros días del festival

La música ya eriza la piel. Al entrar a la gran Sala Lumiere, la principal y más famosa del Festival de Cannes, con los clásicos acordes que John Williams compuso para la saga Indiana Jones sonando, uno ya se siente en pleno viaje, parte de esa generación que siguió las aventuras del arqueólogo interpretado por Harrison Ford desde que empezaron, allá por 1981. Y si bien la nueva película, Indiana Jones y el dial del destino, no cuenta con Steven Spielberg en la dirección por primera vez, la expectativa no deja de ser muy alta. Como sucedió el año pasado con Top Gun y la presencia de Tom Cruise, es el gran evento comercial y popular del festival, por fuera de su competencia.

Es una pena comenzar el párrafo con la palabra “lamentablemente”, pero hay que decirlo: lamentablemente la película no está a la altura de las expectativas. Es razonablemente entretenida, cuenta con media docena de alocadas escenas de acción y persecución, pero es poco lo que aporta a una saga que no parece saber cómo reinventarse ante un protagonista que ya ronda los 80 años.

La trama de la película está ligada a encontrar la otra mitad de un invento llamado Antikythera, que creó el célebre matemático griego Arquímedes y que, se supone, puede generar algo así como “agujeros negros” en el tiempo y que las personas viajen a través de él. La pesquisa por ese objeto comienza en la guerra (Ford está rejuvenecido digitalmente) y sigue, tras una intensa escena de acción, en 1969, donde se desarrollará toda la trama en la que “Indy” se unirá a una arqueóloga más joven (Phoebe Waller-Bridge) que tiene otras intenciones, enfrentando a un nazi (Mads Mikkelsen) que desea quedarse con ese invento.

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La búsqueda es, previsiblemente, una excusa para que el Dr. Jones y compañía giren por países del mundo (Marruecos, Estados Unidos, Italia, Grecia) y en cada uno de ellos atraviesen una serie de peligros de los que suelen salvarse por un pelo. El problema de la película, por un lado, es que no desarrolla mucho más que eso y que la mayoría de las escenas de acción se sienten excesivamente trabajadas con efectos digitales. No solo la cara rejuvenecida de Ford, sino que cada escena de la película tiene muchísimos y muy visibles efectos. Pese a tener un sólido director como James Mangold por detrás (director de Logan, una inusual película de superhéroes), “El dial del destino” no busca ir más allá de lo que ya conocemos y al fin la película termina convertida en un parque de diversiones de sí misma y de toda la saga. Entretenida, sí, pero no a la altura de las expectativas.

La otra muy esperada película del festival generó todo un caos organizativo, ya que quedó mucha gente afuera de la sala sin entrar pese a tener sus tickets emitidos. Me refiero a Extraña forma de vida, el western en inglés de Pedro Almodóvar que protagonizan Pedro Pascal y Ethan Hawke. De solo media hora, es más que nada un boceto de una historia que podría expandirse hacia un largo. Lo que se narra allí es el reencuentro de un cowboy (Pascal) con el sheriff de un pueblo (Hawke), quienes no se veían hacía 25 años. Pronto queda claro que entre ambos existió una historia de amor oculta que parecía ya olvidada, pero que renace al volverse a ver. El incoveniente es que, por detrás de la conexión entre ambos, existe un asunto criminal que los enfrenta.

Si bien Almodóvar presenta su película como un western clásico, con todos los motivos y recursos tradicionales, muy pronto se nota su impronta. Y no solo por la historia de amor gay que es su eje, sino por la música y hasta una canción que utiliza (de Caetano Veloso, algo extrañísimo en este contexto), los diálogos y las actuaciones estilizadas, y hasta un cuidado formal en las vestimentas y el arte que llaman la atención.

No hay que olvidar que este mediometraje es a la vez un proyecto que funciona como una publicidad de la marca Yves Saint Laurent, lo que explica en cierto modo algunas de las decisiones creativas. No es una película que quedará entre las mejores del realizador, sino un ejercicio simpático y entretenido que funciona como una especie de entrenamiento para que el director manchego se anime de una vez por todas a hacer su primer largometraje en inglés. Algo que, dice, hará el año que viene.

Lo que sí empezó muy bien pese a la mediocre apertura con Jeanne Du Barry y las miradas del mundo sobre Johnny Depp es la competencia oficial. Si bien recién está arrancando, se han visto buenas películas y algunas, sorprendentes. Quizás la que más cerca esté de tener un lugar en los premios que se darán el sábado 27 es Monster, del realizador japonés Hirokazu Kore-eda, quien ya ganó aquí con Somos una familia, de 2018.

Su nuevo film tiene como protagonista a un niño que comienza a actuar de maneras muy extrañas a partir de que un profesor en la escuela le dice que es un monstruo, asustando a su madre y generando un caos en el colegio al que va. Pero de a poco, y a través de una estructura de flashbacks en la que vamos viendo la misma historia según diferentes puntos de vista, iremos viendo que los problemas del chico y la verdadera historia en realidad es muy distinta. Con Monster, Kore-eda vuelve a narrar historias humanistas y sensibles sobre la niñez, las familias rotas, las presiones sociales y escolares, y los silencios que eso genera. Y emociona de verdad.

La otra gran película que se vio aquí vino por parte de China. Se titula Youth (Spring) y es un documental de más de tres horas de duración centrado en un grupo de jóvenes adolescentes y de veintipico que trabajan 15 horas por día en fábricas de ropa para niños en una pequeña ciudad china. Es un film sin entrevistas ni personajes muy desarrollados, sino que lo que hace el director Wang Bing es ir mostrando el trabajo en sí, la camaradería y también las peleas entre los trabajadores, algunos problemas personales y, más que nada, las discusiones que tienen con los patrones por sus bajos sueldos.

Se trata de chicos que viven para trabajar –duermen también en el lugar o muy cerca– y su universo consiste en poner cierres, doblar, coser y limpiar por horas y horas a una velocidad brutal, ya que cobran por prenda terminada. De modo observacional, Wang Bing muestra el funcionamiento muy brutal del capitalismo en la China contemporánea y cómo los jóvenes de pueblos chicos no parecen tener muchas más opciones o salidas laborales que esa.

Protagonizada por Sean Penn y Tye Sheridan, Black Flies, film en inglés del francés Jean-Stéphane Sauvaire, es un duro y agobiante retrato de los paramédicos que atienden urgencias en Nueva York. Sheridan es un joven que recién se inicia y Penn un veterano desencantado que hacen la ruta por la ciudad juntos encontrándose con situaciones tensas, angustiantes, duras y violentas en las que mucha gente se encuentra en el límite entre la vida y la muerte. Ese realismo brutal neoyorquino, y ciertos toques religiosos, hace que la película se parezca bastante a Bringing Out the Dead, que Martin Scorsese hizo en 1997 sobre un tema similar.

La diferencia es que la negrura aquí alcanza también a las víctimas y sus familiares, lo que lleva a que los protagonistas no solo vivan cada experiencia con intensidad médica, sino también se sienten maltratados por aquellos a los que tratan de ayudar. Y ese combo, finalmente, es el que los hace equivocarse, tener reacciones violentas y explotar emocionalmente. Es un film que recorre caminos ya conocidos, pero lo hace de una manera creíble e intensa –salvo por su última media hora, un tanto excesiva en muchos aspectos– y tiene a dos grandes actores poniéndole el cuerpo a esa ciudad oscura, densa y violenta que muestra por las noches su peor cara.

Y por el lado francés pasó otra película que, si bien es muy distinta, tiene una similar relación con la credibilidad. Me refiero a Le retour, de Catherine Corsini, un drama familiar centrado en una mujer viuda, de raza negra, y sus dos hijas adolescentes que viajan de regreso de París a Córcega, en donde nacieron, y una vez allí las dos chicas se meten en problemas mientras, en paralelo, van descubriendo la complicada historia que vivió su madre allí en el pasado.

Un poco como sucede con Black Flies, la película comienza como un drama realista acerca de los secretos y mentiras que tienen entre sí las mujeres de esta familia, pero promediando su metraje todo el asunto se vuelve excesivamente melodramático, más cerca de una exagerada telenovela –las dos protagonistas adolescentes no hacen más que generar caos a su alrededor y viven en un par de días una serie de situaciones de una intensidad descomunal– que de un creíble film sobre una familia. Y así lo logrado en el principio se echa a perder en un océano de lugares comunes sobre la supervivencia de una familia de inmigrantes.

La competencia recién está comenzando y todavía no se pueden definir verdaderos favoritos ni tendencias. Lo que es cierto es que el comienzo fue de mayor calidad que otros años, al menos en términos generales. El domingo 21 es el momento más esperado aquí, ya que se presentará Killers of the Flower Moon, la película que marca el regreso de Martin Scorsese a Cannes después de 47 años (la última vez que vino compitió con Taxi Driver) y el primer trabajo en conjunto, a sus órdenes, de sus dos actores favoritos: Robert De Niro y Leonardo DiCaprio. Mezcla de western, policial y película de gángsters que transcurre en una comunidad indígena en los años ‘20, seguramente será la película más comentada del festival y la que se recordará dentro de mucho tiempo. Es una conjunción de estrellas y cineasta que impactan a un evento que está acostumbrado a tener grandes nombres como es el de Cannes.

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