Desde Park City, Utah. Volvieron las colas en los cines y las opiniones a gritos en los autobuses de enlace. Las noches a las 4 de la madrugada seguidas de proyecciones a las 8:15 de la mañana, los jacuzzis, personas durmiendo en literas, el whisky servido en reglamentadas jarras –según las leyes de Utah– de exactamente medio litro. Los “estudios de marca” de empresas como Canada Goose y Chase Sapphire, en los que se ofrecían selectos abrigos especiales y, en una ocasión, sopa de arroz con huevos de codorniz. Hubo éxitos de ventas, decepcionantes fracasos y esos momentos incómodos en los que criticas una película y descubres que el director está a tu lado, los hombres barbudos, las mujeres con sombreros de ala que claramente son de Los Ángeles diciendo: “Lo siento, lo siento, lo siento”, mientras cortan delante de gente que lleva una hora de pie en la nieve fuera de fiestas con aforo completo. Y no lo sienten en absoluto.
Para aquellos de nosotros que hemos asistido al Festival de Cine de Sundance durante diez años o más, esta edición de 2023 nos resultó familiar y alegre, ya que volvía en persona a Utah por primera vez desde 2020. Pero a veces también se sentía como el cadáver hueco de festivales pasados que estábamos tratando de traer de vuelta a la vida. Las fiestas y los bares volvían a estar abarrotados, el tráfico era tan malo como siempre y los directores seguían recibiendo estridentes ovaciones de pie. Hubo, como siempre, estrenos importantes y proyecciones muy esperadas, como la controvertida adaptación cinematográfica de la historia viral del New Yorker Cat Person; el más o menos secreto documental de Doug Liman sobre Brett M. Kavanaugh, Justice; y Past Lives, de la dramaturga Celine Song, una hermosa historia de amigos de la infancia de Corea que hizo llorar a todos los presentes en la sala en la que yo estaba.
Pero la combinación de temperaturas gélidas y el nuevo modelo híbrido del festival, con la proyección online del 75% de la programación, crearon la inequívoca sensación de que faltaba algo. Y algo faltaba. Los agentes de prensa cinematográficos informaron de proyecciones para la prensa y la industria con tan solo tres asistentes, para grandes títulos durante la parte más concurrida del festival. “Parece como si la gente de la industria se hubiera quedado en casa o se hubiera marchado pronto, y solo hubiera venido la gente de la fiesta”, comentó un publicista.
Este año, tan pronto como terminó el siempre frenético primer fin de semana, la ciudad se vació, mucho antes y de forma más dramática de lo que suele ser habitual, un par de días después de un festival de once días. “Desde luego, he notado un descenso más significativo que antes”, afirma Jeffrey Abramson, un estratega creativo que lleva veintinueve años acudiendo a Sundance. “Conozco a mucha gente que se limitaba a verlo por Internet. Está el factor covacha, y hace mucho frío”. Pero también había ventajas: los cinéfilos podían acceder a las proyecciones en lugar de tener que buscar entradas o hacer cola.
La diferencia más tangible fue que la querida fiesta de clausura y entrega de premios, que suele tener lugar a última hora del sábado, se sustituyó por una celebración el viernes por la mañana en un pequeño cine dentro de un centro comercial, en un espacio contiguo a una tienda de comestibles. Se acabaron los petit fours, la barra libre y los logotipos luminosos del patrocinador. Atrás quedaron las fiestas finales en casas alquiladas, a las que todo el mundo acude cargado con un exceso de licor que no puede llevarse en los aviones. Muchos de los equipos ganadores ya se habían ido a casa. Algunos se saltaron los premios, temiendo tener el coronavirus. Pero la emoción de los ganadores que estaban allí era indeleble; al menos tres de ellos corrieron al pasillo después de sus discursos y gritaron tan fuerte que toda la sala los oyó y se rio.
Karim Amer, miembro del jurado, lloró al entregar el premio del Gran Jurado de Cine Mundial Documental a La memoria eterna, sobre un chileno experto en memoria que lucha contra el Alzheimer. El propio Amer habló de ser uno de los “refugiados creativos globales que encuentran un hogar en esta ciudad de montaña”. Había sido manifestante en la Primavera Árabe de 2011, conoció a un productor en Sundance en 2012 y regresó al año siguiente con The Square, que se convirtió en el primer documental egipcio nominado a un Oscar.
Los documentales 20 Days in Mariupol, sobre la guerra en Ucrania, y Beyond Utopia, que sigue a una familia que huye de Corea del Norte, ganaron premios del público. Going to Mars: The Nikki Giovanni Project, sobre la legendaria poetisa negra, ganó el Gran Premio del Jurado al Documental Estadounidense. Y Jeremy O. Harris, miembro del jurado, lloró al conceder el premio del gran jurado estadounidense de drama a A Thousand and One, sobre una madre negra soltera sin vivienda en Nueva York que secuestra a su hijo de un centro de acogida para que puedan vivir juntos. Harris había preguntado expresamente si podía entregar el premio. “Pienso en los momentos y todavía me destroza”, dijo. “Salí del teatro y lloré delante de gente que apenas conozco”. La directora novel, A.V. Rockwell, es la tercera mujer negra en la historia del festival que gana el mayor premio de Sundance, tras la directora de Nanny, Nikyatu Jusu, el año pasado, y la directora de Clemency, Chinonye Chukwu, en 2019.
En los primeros momentos del festival, se percibía una sensación de vértigo por la vuelta a las andadas. La crítica cinematográfica Tomris Laffly se dio cuenta de que durante la proyección inaugural de Sometimes I Think About Dying, una peculiar comedia negra protagonizada por Daisy Ridley, el público prácticamente se revolcaba de risa por los pasillos. “No es que los chistes fueran especialmente graciosos”, explica, “pero me di cuenta de que la gente extrañaba Sundance y estaba compensando la sensación de volver a estar en el cine”.
Esa exuberancia no se tradujo exactamente en las sólidas adquisiciones de los años anteriores a la pandemia. El 80% de las películas del programa estaban a la venta, según los programadores, y hasta el momento de esta publicación sólo se habían producido un puñado de grandes acuerdos de distribución. La primera guerra de ofertas correspondió a Fair Play, un thriller con calificación R sobre sexo y poder en un fondo de cobertura despiadado que Netflix compró por 20 millones de dólares. En cuanto se vendió Fair Play, sus publicistas y Netflix cancelaron la entrevista programada por The Washington Post con la estrella Phoebe Dynevor, de Bridgerton. Searchlight Pictures desembolsó 8 millones de dólares por Theater Camp, un falso documental sobre tragalibros del teatro musical protagonizado por Ben Platt. Y Apple TV Plus desembolsó 20 millones de dólares por los derechos de Flora and Son, una alegre historia de una madre soltera de Dublín que recibe clases de guitarra por Internet, del director de Once John Carney y protagonizada por Eve Hewson (la hija de Bono, el cantante de U2).
Una de las frases que circulaba era que este era un año de reconstrucción para Sundance. La distribución en salas del tipo de películas que celebra el festival –documentales y dramas de directores noveles que abordan temas complicados, sin grandes estrellas ni efectos especiales de superhéroes– se ha visto diezmada. El público lleva años aprendiendo a ver películas en casa.
Robert Redford, de 86 años, fundador y mascota oficiosa del festival, puso su voz en un cortometraje sobre la misión de Sundance que se proyectaba antes de cada proyección, pero no asistió a los actos de apertura, algo poco habitual.
El último Sundance presencial de verdad, a finales de enero de 2020, fue quizá el pionero en eventos de superdifusión, ya que se celebró en un momento en el que el coronavirus apenas preocupaba a la mayoría de los estadounidenses. La gente de la industria cinematográfica informó de que habían cogido lo que parecían los peores resfriados de sus vidas, y luego se sobrepusieron valientemente a la enfermedad para besar muchas mejillas en los Oscar a principios de febrero.
Para Sundance 2021, que dio al mundo las eventuales ganadoras del Oscar CODA y Summer of Soul, el festival había pivotado a un solo teatro en Park City y un miniautocine en Los Ángeles, y luego tuvo que cancelar ambos en diciembre debido a las crecientes tasas de COVID, conformándose con unas treinta sedes satélite en todo el país, la mayoría de ellas al aire libre. (Comparativamente, este año, hubo ocho sedes en Park City, cuatro en Salt Lake City y una en el Sundance Mountain Resort, un destino de esquí de lujo.)
El festival del año siguiente se canceló solo dos semanas antes de su esperado regreso triunfal a Park City, durante la oleada de la variante Ómicron. Una vez más, los cineastas tuvieron que enfrentarse a que sus grandes momentos fueran solo para el público online. “Fue tan incómodo e insular”, dijo W. Kamau Bell, sobre el estreno virtual de su serie documental We Need To Talk About Cosby en 2022. “Estaba solo en mi oficina esperando a que todo el mundo lo viera, y al final hice la sesión de preguntas y respuestas, entré en mi casa y le pregunté a mi mujer algo así como: “¿Qué quieren los niños para cenar?””. Este año, el guionista y director fue homenajeado en la gala inaugural de recaudación de fondos, junto a otros antiguos alumnos de Sundance: el ganador del año pasado, Jusu, Luca Guadagnino (Call Me By Your Name) y el director de Black Panther, Ryan Coogler, cuyo primer largometraje, Fruitvale Station, ganó el gran premio del jurado hace casi exactamente diez años.
También ha regresado con fuerza este año el burdo comercialismo que ha acompañado al festival en la última década. Era imposible ir a ninguna parte sin que te entregaran una bolsa de papas fritas, que tenía un sitio de “activación”. White Claw, patrocinador oficial del festival, tenía un cortometraje en blanco y negro excesivamente dramático que no dejaba de provocar risas cuando se emitía justo antes de las proyecciones, y justo después de un excelente corto de reconocimiento de la Tierra en el que se pedía a los asistentes que “apoyaran la resistencia indígena”. El comercialismo, sin embargo, tiene todo el derecho a campar a sus anchas en Sundance: Los festivales de cine independiente no pueden celebrarse sin dinero.
Durante el día, en el Creator’s Lounge, de Stanley –fabricantes de tazas de camping aprobadas por los hipsters y de “la vajilla oficial” del festival–, los transeúntes podían leer su aura. (La mía es blanca, que, según me han dicho, es “el color más raro para tener energía”.) Junto a la barra, el cómico e influencer Matt Rogers, que presenta el podcast Las Culturistas, con Bowen Yang, de Saturday Night Live, se estaba tomando un cóctel y un café hacia el mediodía. “Quiero estar borracho pero también despierto”, dijo. En 2019 era un periodista que entrevistaba a famosos para Vulture. El festival había sido más estelar entonces, pensó; había entrevistado a Jon Hamm y Annette Bening, y se había cruzado con Blythe Danner por la calle. Pero le alegró descubrir que, como semifamoso, la gente se limita a regalarle cosas. Volvió a la sala Vulture, esta vez para que le entrevistaran a él mismo. “Me dieron lo que debían ser 5.000 dólares en productos La Mer”, dijo. “Voy a ponérmelos por todo el cuerpo. Voy a bañarme en él como Cher”.
Por la noche, todo el mundo bailaba. El primer South Asian Lodge, en colaboración con la organización sin ánimo de lucro 1497, se hizo famoso por sus serias mesas redondas seguidas de divertidas fiestas bhangra inclusivas con DJ Rekha y Zeemuffin, mientras que Sunrise Collective, una nueva colaboración de organizaciones asiático-americanas y de las islas del Pacífico, celebró el Año Nuevo Lunar con Daniel Dae Kim como anfitrión. En ambos casos, la comunidad se reunió para lamentar el trágico tiroteo de Monterey Park (California).
En el estreno de Magazine Dreams, un intenso drama protagonizado por Jonathan Majors en el papel de un aspirante a culturista, celebrado en el Chase Sapphire lounge, los asistentes a la fiesta saltaron al ritmo de “Dancing Queen” de ABBA mientras vestían diversas interpretaciones de la elegancia de Sundance: gorros de piel, leggings de cuero, botas peludas y camperas como ropa formal. Los chats de grupo se llenaron de mensajes sobre qué fiesta era la más “animada”: United Talent Agency, A24, Latinx House. HBO Documentary Films ganó puntos por tener barra libre y la única comida de verdad que muchos comerían en cinco días, con un opulento menú de ostras, gambas, pasta y filete poco hecho.
Para vivir uno de los acontecimientos más ridículos de la semana, había que pagar 60 dólares para tomar un Uber en una oscura autopista, donde Diplo pinchaba para el público de la discoteca TAO. La noche contó con una procesión de bengalas en honor de Moët & Chandon, una aparición de Jordan Clarkson, de los Utah Jazz, un Acura colocado al azar dentro del club (es patrocinador del festival) y Diplo soltando una remezcla de club de la canción principal de White Lotus, a lo que alguien gritó: “¡Bueno, eso es solo complacer!”. Parecía que aquí vivían todos los fiesteros, al menos hasta las seis de la mañana. Nadie parecía tener más de 26 años ni estar en la ciudad para ver películas. En un momento dado, Diplo sacó a los personajes disfrazados de Yo Gabba Gabba!, Muno y Brobee, que se contoneaban antes de ser sacados del escenario como boxeadores exhaustos que acaban de terminar un combate.
Otro signo del ambiente de “año de reconstrucción” fue la fiesta anual del lunes por la noche, organizada por la empresa de publicidad y ventas Cinetic Media. En años anteriores, había sido el broche final del festival; esta vez, parecía el último día del último curso. No había ni una sola celebridad a la vista, salvo Bell, bendito sea, y los asistentes estaban dominados por periodistas y miembros incondicionales de la industria. Casi todos dijeron que al día siguiente cogerían un avión. En un giro divertido, la pista de baile se llenó de gente con máscaras de papel con los rostros de directores como Wes Anderson, John Cameron Mitchell, Bong Joon-ho y Luis Buñuel, un guiño a los disfraces utilizados en Kim’s Video, un documental sobre un robo de una gran colección de VHS. Es fácil olvidar que, en medio de las fiestas, las celebridades y la expectación, Sundance es también un lugar donde los aficionados al cine se reúnen con los suyos y donde nacen las carreras; después de todo, este es el festival en el que debutaron Sexo, mentiras y cintas de video, Get Out, Heathers y Call Me By Your Name.
Hace dos años, el guionista, director y actor Jarreau Carrillo, que comenzó su “viaje cinematográfico” en 2006, estaba limpiando zapatos en Seattle, obligado a mudarse a su casa a causa de la pandemia. El año pasado, empaquetaba para un servicio de preparación de comidas. Este fin de semana, ganó el premio de dirección de cortometrajes por Las vacaciones, sobre el propietario de una barbería negra que sólo intenta ir a la playa, rodado por menos de 50.000 dólares. “Me dio mucha seguridad y optimismo estar aquí”, dice. “Mis amigos me decían: ‘¡Vas a ganar un premio! Y yo decía: ‘Hombre, ya he ganado’. Estoy en Sundance’”.
Fuente: The Washington Post
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