En París, la artista Mickalene Thomas reinterpreta a Monet y a la propia historia del arte

El exterior del estudio de la artista Mickalene Thomas en Brooklyn apenas se distingue de los negocios y edificios circundantes. Su espacio de trabajo se encuentra en una calle poco llamativa de la zona de Fort Greene, y su entrada está parcialmente oculta por una matriz de andamios que se extiende a lo largo de una manzana, así como por un camión que entrega accesorios para un gimnasio del barrio que se prepara para su gran inauguración. Sólo un discreto cartel junto al timbre del edificio indica que tras esas puertas industriales se esconde un mundo mágico y caleidoscópico de pintura, papel y paillettes que representa a mujeres negras en reposo, mujeres negras que se permiten el lujo de la seguridad en sí mismas, mujeres negras que existen en un mundo de su propia creación.

Thomas, de 51 años, se ha forjado una gran reputación en el mundo del arte centrándose en las mujeres negras y presentándolas no como heroicas o sufridas, no como instrumentos de propaganda cultural, sino como seres sensuales que se autoafirman. Thomas insinúa sus complicadas y estratificadas identidades con su uso del collage; realza su belleza y glamour incorporando cristales y pedrería; subraya su poder con una estética extraída de la época de “lo negro es bello” de los años setenta. Las mujeres de Thomas a menudo parecen haber salido de una película exploitation de negros, de las páginas de las revistas Ebony o Jet, o de la imaginación de alguien que entiende perfectamente la importancia de celebrar su propia fabulosidad cuando el mundo está obstinadamente ciego ante ella.

“Nosotros también podemos reclinarnos”, declara Thomas. “Nosotros también podemos relajarnos y que nos vean haciéndolo, y que eso nos dé poder y validez a nuestro sentido del yo. Podemos estar en el momento y en nuestro espacio y no ser vistos como perezosos”.

Su estudio dentro de ese edificio anodino está lleno de luz y se extiende con techos altos y mucho espacio para las piezas que aún están en proceso, las que están terminadas, así como una zona de oficina donde se ha instalado en una silla de aspecto incómodo pero que la tiene ligeramente elevada por encima del sofá enfrentado. Es la silla del jefe.

Thomas es una mujer alta y robusta, con trenzas y una piel morena y sin arrugas que da la impresión de no tener poros. Su voz es cálida y suave, con la cadencia sin acento de alguien que ha vivido en las dos costas americanas y en Europa. Enuncia con la mesurada especificidad de una profesora de inglés, aunque el arte haya sido siempre su vocación. Lleva una camiseta con la imagen del rapero Tupac Shakur. Para una artista tan dedicada a las historias de las mujeres negras, el complicado poeta del hip-hop es una de las dos excepciones a su regla de moda.

“Estoy en este viaje de coleccionar camisetas con mujeres negras”, explica Thomas. “Iba a ponerme la de Janet Jackson. Sólo tengo la de Biggie y la de Tupac de hombres. Luego están todas las mujeres, como Eartha Kitt, Whitney Houston. Son mis camisas de estudio”.

Thomas es una figura cultural distintiva y reconocible. Ha realizado multitud de exposiciones, entre ellas en el Museo de Brooklyn, el Wexner Center for the Arts de Columbus (Ohio) y numerosas galerías. Se mueve sin esfuerzo entre el mundo de las bellas artes de los medios mixtos y el universo de la moda de la fotografía -entre el alto arte y el consumismo artístico-, a veces mezclando ambos para que una supermodelo y un vestido transmitan un universo de complicaciones. En su retrato de 2013 Naomi Looking Forward #2, una Naomi Campbell reclinada, con el pelo y los labios incrustados de cristales, ofrece un comentario sobre La gran odalisca del siglo XIX. La propia Thomas hace regularmente de modelo, a veces con un traje de Gucci en la portada de una revista, a veces como estrella de su propia instalación de video.

Las bellas artes de Thomas son ahora objeto de una exposición que se inauguró en octubre en el Museo de la Orangerie de París. El museo, situado en el Jardín de las Tullerías, es conocido por albergar permanentemente ocho de los cuadros de nenúfares de Claude Monet. Los organizadores de la exposición pidieron a Thomas que creara obras que reflexionaran sobre Monet y el tiempo que pasó como artista residente en su antigua casa de Giverny (Francia) en 2011.

Mickalene Thomas: Avec Monet es su primera exposición en un museo de Francia. Y la geografía significa algo. La muestra la sitúa en el corazón físico y artístico de París, o al menos en la versión de la ciudad que la mayor parte del mundo conoce. En lugar de considerar su obra únicamente en el contexto del presente, se presenta en relación con el pasado; baila con el fantasma de uno de los titanes de la historia del arte. El pequeño museo se construyó en 1852 y, con el tiempo, su colección ha contribuido a contar la historia errónea del arte francés, estableciendo una narrativa de que el arte europeo es blanco cuando, en realidad, también es asiático y africano. Thomas rompe esa historia de forma tan obvia como sutil, con su mera presencia y con su obra.

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“Me siento muy honrada”, dice Thomas. “Mira, soy una chica negra de Camden, Nueva Jersey. De vez en cuando, tengo que pellizcarme: ¿Está sucediendo esto? ¿Esto es una realidad? ¿Es posible?. Nunca pensé que tendría mi primera exposición en conversación con Monet. En realidad, pensaba que tendría una exposición en el Pompidou o algo así, porque es más bien un museo contemporáneo”, añade. “Pero creo que este museo histórico, en cierto modo, tiene mucho sentido con mi cuerpo de trabajo a lo largo de los años”.

Thomas atribuye la existencia de su exposición a una especie de ajuste de cuentas en el mundo del arte. En 2018, la Wallach Art Gallery de la Universidad de Columbia presentó Posing Modernity: The Black Model From Manet and Matisse to Today, que exploraba cómo la forma femenina negra era esencial para el desarrollo del arte moderno y la manera en que se representaba a las mujeres negras. La exposición viajó posteriormente al Museo de Orsay.

“El modelo negro siempre estuvo presente, pero se omitió de la conversación”, dice Thomas. “Creo que gracias a la exposición [de la exposición], a esa conversación en torno al modelo negro y a la mirada hacia atrás en la historia... estamos abiertos a forjar algunas de estas conversaciones a las que hemos dado tantas vueltas”.

En 2022, creó Le Déjeuner sur l’herbe: Les Trois Femmes Noires avec Monet. La composición de técnica mixta instalada en l’Orangerie, junto con otros tres cuadros de collage y fotografías, así como una composición de vídeo, representa a tres mujeres descansando en un paisaje que han reclamado como propio. Thomas la creó en respuesta a Le Déjeuner sur l’herbe de Monet, que siguió al cuadro de Édouard Manet del mismo título. Al igual que las de sus predecesores, la obra de Thomas está repleta de flores y árboles. Pero en lugar de picnics y bañistas de piel de marfil, coloca a mujeres negras en su esplendor, de piel morena y afros. Miran al espectador. No están reclamando un mundo blanco; están habitando su propio reino, uno en el que Monet existe pero sobre el que tienen autoridad. Están a gusto y satisfechas de sí mismas.

En Salle à Manger et Sofa avec Monet, el comedor de la casa de Monet se reimagina para incorporar partes del reino de Thomas, incluyendo un sofá amarillo pálido que ha servido como algo parecido a un trono para los sujetos de sus retratos. La estética de Thomas -no sólo las piezas de l’Orangerie, sino toda su obra- es un correctivo. Es una reivindicación de la historia y de la historia futura.

“Lo que me gusta y admiro de la obra de Mickalene es que no rehúye las imágenes del siglo XIX porque están cargadas de todas las capas y estereotipos de las mujeres de color”, dice Denise Murrell, curadora de la exposición Posing Modernity en Nueva York. “Ella reimagina estas imágenes y nos da un sentido del tema y de cómo estas mujeres habrían, podrían haber sido vistas por ellas mismas o ser vistas por otros”.

Murrell se centra en una de las obras de Thomas de 2012, Din, Une Trés Belle Négresse 1. En ella aparece una mujer negra vestida con un estampado floral y posando sobre un fondo floral. Lleva un gran collar de conchas y su pelo está peinado en un gran afro que rodea su rostro como un halo sagrado. Sus labios carnosos están lacados en un profundo tono mora, y sus ojos están dramáticamente resaltados con una sombra oscura. El título, traducido, significa Din, una mujer negra muy hermosa, pero Thomas utiliza el incómodo término “négresse”, que en la historia del arte ha convertido a menudo a las mujeres negras en una mercancía anónima.

“Está cogiendo todos los rasgos físicos, el pelo y los labios, que han sido estereotipados de forma despectiva en el siglo XIX y dándoles toda la belleza y exuberancia. No se limita a presentar a una mujer del siglo XIX, sino a la mujer del momento actual”, dice Murrell, que es la conservadora general de Merryl H. y James S. Tisch en el Museo Metropolitano de Arte.

En los retratos de Thomas, “el atuendo es de finales del siglo XX, la pose, el afecto, la postura. Se les puede ver en fiestas o en la calle. Ella plantea estos argumentos en el lenguaje artístico del momento actual”, añade Murrell. “Son magníficas y tienen una gran autoestima. Son lo contrario de la subordinación pictórica en las representaciones anteriores de las mujeres negras. Reivindican todos los aspectos de su ser”.

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La estética de Thomas se formó, en parte, por el mundo que se presentaba en las páginas de Ebony y Jet. Estaban en la mesa de centro de su casa mientras crecía, y ayudaban a definir la belleza y el éxito entre las personas que se parecían a ella. Las revistas, dice Thomas, “tenían una forma tan profunda de comunicarme cuando era joven. Fue donde vi por primera vez la belleza y leí sobre Diahann Carroll y todos esos momentos de celebración de lo que hacía la gente negra. Fue realmente una ventana a un mundo fuera de mi mundo”.

Sin embargo, lo que se le queda grabado no es sólo el gran éxito de los actores y empresarios, sino también los momentos más pequeños y notables que se reconocen en esas revistas. Una persona no tenía que ser única para llamar la atención, para tener su vida documentada en la prensa. Podía ser simplemente un médico destacado, un estudiante universitario o un profesor de piano. Podía ser simplemente bonita. Hoy en día, la amplitud de los medios de comunicación, sobre todo de las redes sociales, realza la fama de unos pocos, pero puede cegar a la cultura de todos los demás. Se ignora lo bello, lo cotidiano determinado.

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La obra de Thomas responde a ese lapso. La mayoría de sus mujeres no son famosas, pero son tratadas como extraordinarias. Están adornadas con cristales. Están vestidas con flores y estampados de leopardo. Están maquilladas como estrellas.

En la obra de Thomas, su madre, Mama Bush como la llaman, es estilizada, pero también cruda. Su madre luchó contra la adicción y sufrió abusos físicos, y Thomas la fotografió a menudo antes de su muerte en 2012. Como proyecto escolar cuando asistía al Instituto Pratt, Thomas fotografió a su madre vestida como la actriz Pam Grier. Su madre, que tenía cierta experiencia como modelo, se adaptó a la tarea, disfrutando del juego de roles y, en particular, de la moda.

“La mayoría de los negros nos presentamos de una manera determinada”, dice Thomas. “Creo que eso pasa por ser dueño de uno mismo y estar presente y asegurarse de que te tratan y respetan cuando recorres los espacios”.

En otro retrato, Madame Mama Bush, su madre está recostada en un sofá tapizado. Cuando su bata roja se abrió para mostrar sus pechos, no se movió para cubrirse. Simplemente le dijo a su hija en voz baja: “Haz las malditas fotos”.

Las imágenes -junto con otras que Thomas tomó a lo largo de los años- son íntimas y seguras de sí mismas desde la perspectiva tanto del sujeto como del artista. Su madre se deleitó con su cuerpo para la cámara de Thomas, pero también expuso su yo interior durante la sesión mientras las dos hablaban de sexo, de hombres y de los retos de ambos.

“No siempre tuvimos la mejor relación, y no es porque fuera una mala madre o una mala persona. Tuvo desafíos en su vida. Era humana. Y a medida que fui creciendo, lo reconocí”, dice Thomas. “Nuestra relación se estrechó a través del arte. Fue una forma muy bonita de comunicarnos, y aprendí mucho sobre mí misma, trabajando con ella, porque empecé a ver las cosas a las que me enfrentaba. Tuve que bajar los hombros y abrirme. Una vez que empezamos a colaborar, se abrió a expresarse libremente en mi arte. Me sentí tan abrumada y sorprendida por su vulnerabilidad, su fuerza y su voluntad de ser libre con su propia sensualidad y sexualidad. Era una forma de compartirse a sí misma”.

Su madre se sintió fortalecida por la lente de Thomas. El acto de hacer arte creó una especie de invencibilidad. El arte crea un espacio donde la gente puede existir fuera de sí misma.

Thomas se dio cuenta de esto cuando tenía poco más de 20 años y tuvo un momento “aha” después de ver una exposición de Carrie Mae Weems en el Museo de Arte de Portland. Se trataba de la Kitchen Table Series de Weems, una colección de fotografías colocadas en una mesa de cocina que cuentan la historia del amor, la soledad, la amistad, la maternidad y la autorreflexión desde la perspectiva de una mujer negra, pero en realidad, de las mujeres en general.

“No soy una persona que se drogue, pero me imagino esa euforia, ese momento en el que sientes que puedes hacer cualquier cosa”, dice Thomas. “Eso es lo que vi. Eso es lo que sentí cuando vi las obras de Carrie Mae Weems y me dije: ‘Puedo hacer cualquier cosa. Lo sé. Soy esa niña. Soy esa persona. Reconozco estas imágenes’. Fue la primera vez que vi imágenes de mujeres negras, de una familia negra, en el arte contemporáneo. Y eso me golpeó tan profundamente. Es como: ‘Wow, no sabía que el arte podía hacer esto.’

“Así que lo que sea que desencadene a alguien positivamente, eso es lo que quiero”, dice. “Por eso me hice artista”.

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Estamos a finales de septiembre y las obras que Thomas ha creado para la exposición de París siguen en su estudio de Brooklyn. Una de ellas, Le Jardin d’Eau de Monet, está hecha pedazos. Sus paneles se unirán una vez que crucen el Atlántico, y el visitante del museo tendrá la experiencia de sumergirse en el mundo de Thomas.

La obra comprende fotografía y collage y, por supuesto, pedrería. A distancia, es una alegre celebración de la naturaleza. De cerca, es el entorno de Monet subordinado al de Thomas. En lugar de la serenidad meditativa e indulgente de Monet, se ve la energía urgente de Thomas con su profunda fe en su propia agencia.

Aunque se trata de un paisaje, la obra no se aleja tanto de la sensibilidad y la visión que han dado fama a Thomas, que es su exploración de la sensualidad y la autoconciencia de la mujer negra; es una continuación de ese camino artístico. Uno podría imaginarse fácilmente a una de las mujeres de Thomas reclinada lánguidamente en Le Jardin d’Eau de Monet, pero no es necesario que estén presentes para que su propiedad sea evidente. Sigue estando claro que este paisaje, este espacio, pertenece a Thomas y a sus musas.

La exposición de París fue una oportunidad para expresar un tipo específico de libertad y lujo que descubrió en Giverny. “Durante mi estancia allí, me inspiré en la forma en que [Monet], como artista, creaba un espacio para sí mismo y un material de recursos para trabajar en el día a día. Como si pudiera despertarse y tener este paisaje que ha creado”, dice Thomas. “Eligió específicamente las flores; creó específicamente el estanque de una manera muy particular. Todo era estratégico para él: cómo se movía y caminaba por este espacio”.

La capacidad de crear, controlar y luego prosperar en el propio entorno es un reflejo de poder y una enorme fuente de confort. Un espectador no tiene que saber nada de la historia del arte para sentirse conmovido por esta idea. Cualquiera que haya vivido en el contexto de la cultura del siglo XXI podría entender hashtags como #Black Lives Matter y #BlackExcellence no sólo como declaraciones políticas y afirmaciones personales, sino también como declaraciones del derecho de uno a simplemente “ser”.

Thomas pensó en esto un día de pleno verano en el parque Fort Greene. Vio a una joven pareja negra que había atado una hamaca entre dos árboles. No estaban haciendo nada extraordinario. Y eso, para Thomas, era digno de mención. “Simplemente reclamaban el lugar. Eran los únicos en el parque con una hamaca, y simplemente se tumbaron en ella y se columpiaron y rieron”, recuerda. “Quería embotellar eso. Era tan bonito”.

En su lugar, ha pintado esa alegría y esa sensación de relajación. Lo ha instalado en el centro de París. En el corazón de la historia del arte. Porque la geografía significa algo.

Fuente: The Washington Post

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