Cuáles son las 29 obras que se presentarán en los teatros públicos porteños durante 2020

Más de 1 millón de espectadores asistieron a los teatros públicos porteños que produjeron 130 espectáculos con más de 750 funciones agotadas. Esos son algunos números en los últimos cuatro años que presentó el Complejo Teatral de Buenos Aires en su balance de gestión 2016-2019. “El CTBA es un lugar de referencia y encuentro, donde la diversidad y la disidencia son celebradas”, aseguró Jorge Telerman, su director. A la par, se presentó el programa 2020 para el Teatro San Martín, el Teatro Regio, el Teatro de la Ribera y el Teatro Sarmiento. A continuación, los 29 espectáculos.

La vis cómica

Escrita y dirigida por Mauricio Kartun

La inefable compañía teatral de Angulo el malo desembarca en la Buenos Ayres virreinal –embarrada y contrabandista–, buscando nuevas plazas para su repertorio. Pero no hay corral de comedias en la ciudad, la plaza no es pública y otro elenco de indecorosos improvisados acapara la tolerancia del Cabildo. Los artistas en las entretelas piojosas de una corte de oropel. Todo en cinco jornadas y contado por un perro dramaturgo.

Mauricio Kartun toma del Quijote a la funambulesca compañía y a su director Angulo. Y de las comedias ejemplares cervantinas a Berganza, su perro farandulero, para mirar a su través ese vínculo a menudo ruinoso entre los artistas y el poder.

Reposición. Enero. Teatro San Martín. Sala Cunill Cabanellas.

Don Gil de las calzas verdes

Siglo de oro trans. Tirso de Molina. Vversión de Gonzalo Demaría. Dirección Pablo Maritano

Don Gil de las calzas verdes, considerada una de las obras más logradas del teatro barroco español por la calidad de su trama, es esencialmente una comedia de enredos sobre el deseo equivocado y en qué medida ese deseo se corresponde al cuerpo. Fue estrenada en 1615, en un siglo decisivo filosóficamente; las preguntas que la cultura se hizo sobre la condición del alma y del cuerpo se reversionan en este Siglo de Oro trans, que interroga al género de mil modos distintos.

La versión acerca el verso barroco al español porteño, pero mantiene intacta la sátira sexual y los planteos filosóficos y metafísicos de Tirso de Molina. La puesta en escena aborda el texto desde la tradición barroca, con su alucinante desparpajo para tocar temas que aun hoy son modernos: la identidad y el cuerpo frente a la demoledora acción del deseo.

Enero a marzo. Teatro de la ribera y Teatro Regio.

Hamlet

William Shakespeare, con traducción de Lautaro Vilo. Versión de Rubén Szuchmacher y Lautaro Vilo. Dirección: Rubén Szuchmacher.

El clásico de William Shakespeare, quizá una de sus obras más emblemáticas, se ha convertido en una fuente inagotable para discutir temas universales: la relación con los padres, la corrupción, los crímenes que reclaman justicia y las decisiones que definen nuestros pasos. Leído como un tratado de actuación, como una reflexión sobre la representación dramática y política, los padeceres del Príncipe de Dinamarca siguen siendo una oportunidad donde pensar la tragedia, como género literario y también como filosofía de la historia.

Hamlet regresa a la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín, la sala mayor del Complejo Teatral de Buenos Aires, protagonizada por Joaquín Furriel y elenco y con dirección de Rubén Szuchmacher. Esta versión de Szuchmacher y Lautaro Vilo reactualiza la tragedia shakespeariana y el misterio de su origen, porque la voz del Príncipe de Dinamarca nos sigue convocando.

Reposición en febrero. Teatro San Martín. Sala Martín Coronado.

Happyland

Escrita por Gonzalo Demaría con dirección de Alfredo Arias.

Derrocada por los militares, la presidenta Isabelita es recluida en un castillo gótico de la Patagonia. La acompañan su criada andaluza y sus perritos. El ama de llaves que las recibe es el poder ahora. Entre noches de espiritismo y confesiones con el Arzobispo que la visita para aliviar su alma, Isabelita añora, más que los años de la presidencia, los días felices en un cabaret de Panamá.

Reposición en febrero. Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

Fervor

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Programa I. Coreografía y dirección: Josefina Gorostiza.

El trabajo reunirá un grupo numeroso de bailarines, exacerbando las singularidades dentro de la grupalidad. Fervor toma el impulso y el deseo de bailar en una propuesta intensa que ocurrirá en el Hall, un lugar de paso y también un espacio que reúne y concentra energía.

Dijo Josefina Gorostiza: “Es muy estimulante poder trabajar con tantos bailarines, ya que en el territorio de la danza independiente, que es el ambiente en el que me muevo, armar grupos numerosos es muy complejo. Me interesa entrar a esos planos que son muy diferentes a los míos, y ver lo que sucede en ese cruce. Vamos a trabajar con un DJ en vivo que construirá la música a medida que vayamos desarrollando el movimiento en cada ensayo, y estará presente en las funciones”.

Marzo en el Teatro San Martín. Hall Alfredo Alcón.

Bajo el signo de Saturno

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Programa I. Coreografía y dirección: Carla Rímola y Laura Figueiras.

Bajo el signo de Saturno representa una mirada sobre la historia del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Una pieza coreográfica que se pregunta por la voracidad del paso del tiempo, por los trazos del pasado y nuestras posibilidades de (re) componerlos.

“Trabajamos juntas en co-dirección hace diez años y nuestro interés tiene que ver con la historia: la historia de la danza en particular y la historia en general. En este proyecto vamos a trabajar sobre la historia del Ballet Contemporáneo, porque el Teatro San Martín es fundamental en la institucionalización de la danza moderna y contemporánea en Argentina. Nos interesa jugar con la memoria y trabajar con esa historia que se escurre, discontinua, fragmentaria, contradictoria, que tiene muchas tensiones, que es contada desde distintos puntos de vista. Siempre un asesoramiento teórico acompaña nuestros trabajos, en este caso, de Eugenia Cadús, investigadora especializada en la historia de la danza", dijeron Carla Rímola y Laura Figueiras.

Marzo en el Teatro San Martín. Hall Alfredo Alcón.

¡Recital Olímpico!

Dirección: Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas

¡Recital Olímpico! es el segundo proyecto en colaboración de las autoras y directoras Camila Fabbri y Eugenia Pérez Tomas, que continúan la indagación en biografías como punto de partida para la ficción. En esta nueva obra, se toman las figuras de Nika Turbina -poeta ucraniana- y de Nadia Comaneci -atleta rumana- para generar un cruce fantástico y epistolar que saltará a través del tiempo.

¡Recital Olímpico! narra un primer encuentro de las niñas Nika y Nadia- en un pasado situado en los años ochenta- y un reencuentro situado en la época actual, ambos ficcionales. Cuenta la afinidad entre las niñas prodigio y un amor que cabalga una vida entera. Un recital poético que involucra a la platea, intercambio epistolar, gimnasia artística: pasado, presente y un mundo onírico que borronea el tiempo y extraña la realidad.

Marzo en el Teatro Sarmiento.

Narciso del 92

Coreografía y dirección: Emilio Bidegain

Danza al borde es un un ciclo que propone un diálogo entre la danza contemporánea y otros lenguajes escénicos, en la búsqueda de propuestas enriquecedoras tanto para los artistas como para el público. Aquí se realizarán dos obras, una es Narciso del 92.

“Antes está lo amorfo, turbio y acuoso como medio de desarrollo. De allí emergen partes y fragmentos de un cuerpo que se desconoce. Tendido, flotando en el agua oscura, logra ponerse de pie y verse en su reflejo. ¿Cómo es verse por primera vez? Después, sumergirse en el reflejo. Entrar y salir de fluidos sin perder el erotismo y la brutalidad. Los conceptos a investigar y poner en juego de tensiones serán belleza, cuerpo y erotismo popular dentro de una instalación performática que dialogue con las cuatro décadas que comprende la obra de Pablo Suárez (1960/2000)”, aseguró Emilio Bidegain.

Marzo en Teatro de la Ribera.

Trampa al tiempo

Coreografía y dirección: Ana Garat.

Trama al tiempo forma parte del ciclo Danza al borde. La obra indaga sobre el transcurso y sucesión del tiempo. La variación y transformación del tiempo es elaborada bajo el concepto de cronostasis, fenómeno en el cual parece que el tiempo se alarga, se estira, se detiene durante unos instantes. La afectación sobre la imagen y el sonido provoca una atmósfera de climas sugestivos, hipnóticos y oníricos, donde el espectador puede sentirse transportado en el tiempo. El tiempo en la obra, por momentos, parece detenerse creando la ilusión de infinito.

Marzo en Teatro de la Ribera.

¿Quién es Clara Wieck?

Bioficción sobre la pianista más influyente y aclamada del siglo XIX. Obra de Betty Gambartes y Diego Vila con dirección de Betty Gambartes.

A través de la presencia de una mujer, Clara Wieck-Schumann, la pianista más influyente y aclamada de la Europa del Siglo XIX, accedemos al mundo artístico y musical de su época. La vehemente Clara comparte sus pasiones y sus temores, su relación profunda con la música y con los dos grandes amores de su vida, Robert Schumann y Johannes Brahms. Ella fue inspiración, sostén y amor de ambos compositores y su más apasionada divulgadora. La obra toma vida a través del diálogo que se establece entre Clara y la música de Schumann y Brahms, interpretada por el pianista y el barítono. En ese diálogo Clara revive momentos de su vida.

Sus comienzos como niña prodigio, su temprano enamoramiento con Schumann, a quien conoció a los 9 años, su lucha por independizarse de un padre posesivo y manipulador hasta lograr casarse con el hombre que amaba. Su firmeza para sostener su carrera profesional siendo madre de ocho hijos. La trágica enfermedad mental y temprana muerte de su esposo. Su cuestionada y larga relación amorosa con Johannes Brahms catorce años menor que ella.

Su empeño en difundir la obra de quienes ella consideraba los compositores más importantes de su época, Schumann y Brahms, en contra de las modas imperantes. La enfermedad y muerte de varios de sus hijos y al mismo tiempo el éxito abrumador de sus innumerables giras por toda Europa. Clara Wieck, una mujer excepcional que trascendió más allá de los límites que le imponía su contexto histórico.

Abril en el Teatro San Martín. Sala Cunill Cabanellas.

Cae la noche tropical

De Manuel Puig. Versión escénica de Santiago Loza y Pablo Messiez, y dirección de Pablo Messiez.

Cae la noche tropical es la versión escénica de la última novela de Manuel Puig. En la obra, dos hermanas octogenarias viven en Río de Janeiro, evocan el pasado y conversan acerca de los amores de una vecina más joven. Según Puig, el tema fundamental de su novela es el afecto. Leonor Manso e Ingrid Pelicori componen a estas dos hermanas que se niegan a darse por vencidas y traman un vínculo con una vecina cuya historia las llena de vida. La vejez es abordada como “la edad épica por excelencia” y el afecto, como necesidad para paliar el absurdo del mundo.

Reposición. Abril. Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

Boquitas pintadas

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. De Manuel Puig. Programa II. Adaptación y dirección: Renata Schussheim y Oscar Araiz.

La acción se despliega en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, entre 1934 y 1947. Como en los radioteatros de la época, aquí se habla siempre de lo prohibido a través del ocultamiento y la simulación, doble juego que delinea la naturaleza de los personajes. A partir de esta idea se desarrolla el proyecto de llevar Boquitas pintadas a escena. Rescatar el perfume de una época y trabajar sobre el modo de ser argentino, utilizando el carácter melodramático de la novela. No hay una lectura descriptiva ni una historia con principio y fin, sino planos de acción superpuestos en tiempo y espacio.

Las palabras de Puig “experimentan” entonces una transformación musical con reminiscencia a las viejas audiciones radiales y a la sonoridad del cine argentino de entonces, y de esta manera se producen analogías permanentes entre el texto y la concepción plástica y sonora del espectáculo. Eugenio Barba señala esa zona ambigua y fascinante donde los límites se esfuman: “La rígida distinción entre el teatro y la danza, característica de nuestra cultura, revela una profunda herida, un vacío en la tradición que continuamente conlleva el riesgo de atraer al actor hacia el mutismo del cuerpo, y al bailarín hacia el virtuosismo”.

Mayo. Teatro San Martín. Sala Martín Coronado.

Recuerdos a la hora de la siesta

Dirección: Emiliano Dionisi.

Escribe Emiliano Dionisi: “María es una niña de diez años, inquieta y curiosa como toda niña de diez años y con una imaginación con alas, como toda imaginación de diez años. Donde cualquier mortal ve un cachivache, ella ve un tesoro. María es experta en encontrar historias escondidas a la vista, maravillosos relatos que dejarían boquiabiertos hasta los más almidonados conocedores del mundo. Aunque no le resulta fácil concentrarse en lo que “realmente importa” cuando, en la escuela, las letras saltan del pizarrón y hacen piruetas en el aire, para el deleite de sus compañeros y el espanto de su maestra. A la hora de la siesta, cuando se supone que duerme, mastica voraz cuanto libro se atreva a pasar por sus manos, escucha con atenta fascinación el radioteatro y los rostros de esas mágicas voces se le presentan tan nítidos como la palma de su mano, o diseña los más fantásticos animales que aún no fueron descubiertos por ningún investigador anteojudo".

Y agrega: “María es muy preguntona, no se conforma con los insistentes “Porque sí”, tiene hambre de saber, y lo que no sabe, lo inventa. También es rebelde, no se abatata ante los amenazantes “No se toca”, los filosos “No se dice” o los autoritarios “No se hace”. Hay días en que los personajes que crea en su cabeza se le aparecen todos juntos a tomar el té y no hay lugar en el living de su casa para semejante reunión. Y sí, no es fácil tener diez años y una imaginación alada. Recuerdos a la hora de la siesta es una invitación a imaginar la infancia de María y su peculiar forma de ver el mundo. Una celebración del juego, la fantasía y la libertad”.

Reposición. Junio. Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

Al amo del mundo

De Alfonsina Storni. Versión y dirección: Francisco Lumerman.

Márgara es una mujer soltera. Ella carga con un secreto que ya no quiere guardar, pero que, de develarlo, pondría en juego su compromiso matrimonial con Claudio. La obra de Alfonsina Storni transcurre en la Buenos Aires de 1927. La versión de Lumerman sucede casi un siglo después: los personajes son actores, el tiempo es el actual, el espacio es el teatro, donde una compañía ensaya El amo del mundo a pocos días de su estreno.

Mara es una actriz que hará su primer protagónico, interpreta a Márgara. El personaje de Claudio es interpretado por Gabriel, marido de Mara y, además, director de la compañía. El ensayo toma rumbos inesperados. Los límites entre la ficción y la realidad se vuelven difusos, los conflictos entre los personajes influyen en la pareja.

Alfonsina Storni cuestionó, con su obra y con su vida, lo que la sociedad y sus hombres esperaban de una mujer. ¿Cómo atraviesan estos conflictos nuestra actualidad? ¿Cuánto influyen los intérpretes las obras que representan? ¿Cómo circula el poder en una creación artística? Dos obras y dos épocas en tensión simultánea.

Junio en el Teatro Regio.

Retrospectiva Mariana Chaud

Con dirección de Mariana Chaud.

Sigo mintiendo (2004), elhecho (2005), Budín inglés (2006) y Ubú patagónico (2014) son las piezas escritas y dirigidas por Mariana Chaud que conformarán la retrospectiva de su obra en el Teatro Sarmiento. Un hombre azul y un cumpleaños decadente; una comedia punk sobre la existencia de la fe; lectores en busca de perderse en la lectura o de encontrarse a sí mismos en las palabras; desde qué lugar recuperar la transgresión cuando lo moderno se transformó en clasicismo. Cuatro piezas donde la biografía deriva en lo fantástico y lo canónico en vanguardista, y en las que el humor siempre le gana terreno al drama.

Artista en residencia, con curaduría de Vivi Tellas. Un programa que consiste en la invitación a un artista para desplegar y profundizar un proyecto a largo plazo. Durante el 2020 la actriz, directora y dramaturga Mariana Chaud formará parte de esta experiencia que tiene tres instancias: una retrospectiva, un workshop para compartir el trabajo con la comunidad artística y, finalmente, la producción de un nuevo trabajo.

Junio en el Teatro Sarmiento.

Historias con guantes

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. De Juan Enrique Acuña y Javier Villafañe, con dirección de Daniel Spinelli.

Dice Daniel Spinelli: “Historias con guantes se propone narrar dos historias del folklore popular, utilizando la técnica y estética del títere de guante, privilegiada para explorar en el humor y en la síntesis poética. La primera, “Sopa de piedras”, de Juan Enrique Acuña, poeta y escritor misionero, expone con gracia y astucia el tema de la avaricia y la explotación. En efecto, Don Avariento acumula monedas de oro a monto nes, que guarda celosamente en su arca. Perurimá, especie de duende protector de los débiles, “embaucador de embaucadores y poderosos”, intervendrá en el conflicto, urdiendo una picardía para ayudar a la joven criada Bochita a liberarse y dar merecido castigo a Don Avariento".

Y agrega: "“El mensaje”, cuento de Javier Villafañe, adaptado para teatro de títeres, nos relata una reunión en el medio del bosque, convocada por don Juan el Zorro, y el Buey. En esta “asamblea” de animales, donde todos desconfían, unos de otros, el interrogante principal que surge y divide sus posiciones es: eliminar al hombre o llevarle un mensaje de paz. Ambas obras se plantean la búsqueda del sentido solidario entre pares, y, en”El mensaje”, la idea de que el ser humano debe frenar cuanto antes la depredación de la fauna y el medio ambiente”.

Junio.

La biblioteca de los libros desordenados

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. Nelly Scarpitto, Mariana Trajtenberg, Claudia Villalba, Daniel Scarpitto y Julieta Alessi. Dirección: Román Lamas.

“Los Bibliotecarios ocupados en la tarea de ordenar y quitar el polvo de una montaña de libros en una vieja Biblioteca, descubren una mañana ese libro. Ante el asombro de todos, de él surgen las pequeñas partículas que flotan en el aire. Son los Caldericos, que mirados con la lente adecuada, mostrarán en su interior una hermosa historia. Los Bibliotecarios, conocedores de los misterios que habitan en los libros, se convierten en el vehículo ideal para descubrirla", dice Román Lamas.

Y agrega: "Se trata de Pino, el pequeño héroe, que por su condición de distinto a sus semejantes tendrá que atravesar desde su nacimiento una cantidad peripecias que lo modificarán a él y a su entorno. A veces difíciles, a veces peligrosas, pero siempre divertidas, las aventuras de Pino nos ayudarán a comprender que hasta el más pequeño de los seres nos puede dar una hermosa lección”.

Reposición. Junio en el Teatro Regio.

Bodas de sangre

De Federico García Lorca con adaptación de Cecilia Pavón y Vivi Tellas, y dirección de dirección Vivi Tellas.

Bodas de sangre es un texto hermoso, poético, trágico. Hoy también suena como una reflexión sobre el amor difícil, el amor imposible, porque la idea que recorre la obra es la del amor maldito. ¿Quién puede decir qué es el amor? ¿Y qué prohíbe el amor, hoy? ¿Los cambios sociales, los cambios de género, los cambios étnicos? ¿Qué lo hace intolerable, qué lo transforma en una pasión oscura y reveladora, como un bosque húmedo en medio de un paisaje yermo?

Vivi Tellas sostiene que el núcleo de su trabajo es la propia biografía. En Bodas de sangre algo atávico visita lo español, y a ella, judía sefaradí, algo la convocó cuando visitó España, y le sembró una sensación extraña que la impulsa a profundizar en la investigación. “Los espectáculos se hacen con cada capa que aportan los artistas”, sostiene. Bodas de sangre es una obra en proceso de transición, porque las tragedias tienen la capacidad y la carga de modificar las cosas. En Lorca la transición derivó en su asesinato por ser homosexual, por ser de izquierda, por ser poeta, por ser una persona con talento, por todo lo que ocurrió con sus palabras.

“Cuando las cosas llegan a su centro, no hay quién las arranque”, dice Leonardo en Bodas de sangre. Y Vivi Tellas hace de esa frase su guía.

Julio en el Teatro San Martín. Sala Martín Coronado.

Luz mala

Coreografía y dirección: Pablo Rotemberg.

Luz Mala es una operación de apropiación y glorificación. El punto de partida, el malambo, y la propuesta, cómo transfigurar este patrimonio inmaterial y nacional, único y deslumbrante, para crear un monstruo nuevo. Hay un malambo tradicional, con aires de ritual inmutable, que casi roza el orden de las cosas sagradas; hay un malambo for-export que hoy hace furor y tiene algo de nueva puesta en escena del buen salvaje, tan cara a las naciones dominantes. Y están los cuerpos que encarnan esta danza, formados en el folclore, portadores de un tipo de expresividad y pensamiento específicos.

Rotemberg propone un acto de violación simbólica sobre la textura del malambo y su entramado de connotaciones, en la que será ineludible ejecutar la misma acción sobre estos cuerpos con la intención de hacerlos cómplices del objetivo impuesto. Con la certeza de que la danza es un medio con la capacidad de abordar problemáticas del presente de maneras no literales, acaso este trabajo propone una perspectiva diferente a las preguntas que como letanías atormentan a lxs argentinxs: quiénes somos, cómo nos definimos, dónde está la verdad y cuál es el camino en esta Argentina mítica, tierra de la eterna transición, siempre a punto de cobrar forma pero siempre indiscernible.

Julio en el Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

El desguace de las musas

De Eusebio Calonge y dirección de Paco de la Zaranda, Teatro inestalble de ninguna parte. Temprada internaiconal, España.

El costroso cortinaje de lentejuelas desprende pestes a sudor y desinfectantes. Las notas musicales se esparcen por la penumbra mal ventilada antes de diluirse en el fondo de los vasos. Bajo los focos que desparraman azul noche, el diezmado coro de vicetiples ensaya una rudimentaria coreografía. Pereza de albornoces, chándales y mallas remendadas, aderezado con boas desplumadas, brillantes baratijas y acoples de micrófono. Carnes yertas que entierran tantos deseos, miradas desnudas que saben de tantos ocasos. La mueca de la muerte oculta tras el maquillaje barato. En el espejo del camerino, rodeado por bombillitas fundidas, quedó escrito con pintalabios la verdadera historia, donde el género frívolo se convierte en trágico.

Allí se refugian estos restos de coristas, vedettes desfondadas, ruinas de caricato, agonía y furor de una cultura, a la hora de cierre, la nostalgia bailando en la penumbra, la hora en que las sillas se colocan sobre las mesas. Es esta la alegoría de una cultura apuntalada, que espera su desplome, situada en un antro lúgubre infestado por las ratas que asoman a nuestros trabajos, dónde un núcleo de artistas aislados y a contracorriente resisten, agotados, entre la resignación y el encono, sin ningún heroísmo, más bien a merced de una época que renuncia a lo poético.

Agosto. Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

Voces secretas de la tierra

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Programa III. Coreografía y dirección: Alexis Mirenda

“En un viaje a la selva misionera, adentrando en sus tierras y comunidades guaraníticas, descubrí estas Voces secretas de la tierra. Son las voces de los tareferos, encargados de la explotación de la yerba mate, que llevan y canjean bolsones según su peso. La película Prisioneros de la tierra (1939), de Mario Soffici, sobre tres cuentos de Horacio Quiroga, trata también sobre la explotación de los trabajadores de la yerba mate en Misiones, y no pude creer que esa realidad siga sucediendo hoy", escribe Alexis Mirenda.

Y agrega: Voces secretas de la tierra tendrá tintes folklóricos y una mirada política inevitable desde mi rol como coreógrafo. Soy bailarín de folklore y bailé nueve años en la Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, y de ahí nació esta mixtura con la danza contemporánea. En la Compañía estuvimos ocho años bajo la dirección de Mauricio Wainrot, cuyo trabajo y dirección me despertaron muchísimo, además del abanico de coreógrafos con los que trabajamos constantemente, cuatro o cinco por año. Es un recibimiento de información y un estímulo constante.”

Agosto en el Teatro de la Ribera.

Todos ríen

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Programa III. Coreografía y dirección: Ayelén Clavin y Natacha Visconti.

“Permanecerán unos segundos así, inmóviles y en silencio, con sus sonrisas congeladas y sus ademanes a medio realizar... y después se oirá el sonido metálico del obturador y entrarán otra vez en la corriente del movimiento visible, y se dispersarán” (J. J. Saer).

La pose construida para la foto familiar es un momento breve entre la representación y el discurrir de la vida, un intervalo incómodo y denso. Ficción hipócrita, refugio entrañable, la familia es sublime y siniestra; y el retrato familiar, la representación icónica de las relaciones reales, un instante visible de ese todo fundacional, ingobernable, atemporal, inevitable y aciago.

El retrato familiar es una composición ficticia y fugaz, una cristalización apoteótica, la pose perfecta en la que todos ríen y todos callan.

Agosto en el Teatro de la Ribera.

Las manos sucias

De Jean-Paul Sartre, con dirección de Eva Halac.

A fines de la Segunda Guerra Mundial, miembros del partido comunista en la clandestinidad debaten entre sus filas si resulta ético aliarse a sectores de la oposición para tomar el poder. Ocurre en Europa, en un país imaginario. En 1948, en un país real, Sartre imprime en la ficción la cuestión sobre el ser y el deber ser. La abstracción filosófica, en el territorio de la escena, se vuelve sanguínea; la discusión entre la teoría y la praxis política es entonces dolorosa, emocional: definitivamente personal.

Las manos sucias es un policial francés. Los protagonistas son seres que se abisman en los pliegues del tiempo, donde la realidad pierde consistencia. La atmósfera del blanco y negro devuelve grises. Sumergidas en el suspenso propio del género, las certezas luchan por hacer pie en la bruma.

Septiembre en el Teatro San Martín. Sala Casacuberta.

El tiempo que no me di

Dirección: Paula Marull y María Marull.

Convivimos con una mejor versión de nosotros a la que siempre quisiéramos llegar. Y a su vez, una versión de lo que fuimos, de la que necesitamos huir o invocar. ¿Y si esa versión que no fuimos existiera? ¿Si un día se nos presenta? ¿La abrazaríamos? ¿La reconoceríamos? ¿La mataríamos para poder seguir siendo nosotros?

Una mujer absorbida por la vorágine de la ciudad, con su familia y profesión en crisis, decide regresar después de mucho tiempo a su pueblo natal para resolver un problema legal de la herencia de su padre. Sin saberlo irá al encuentro de otra herencia, más ineludible y profunda. Quizás más verdadera. El tiempo que no me di es un intento por recuperar un tiempo que se escapa, escondido en la mesa de los bares, en las horas de insomnio, en los patios, en la velocidad, en las bufandas tejidas a mano, en las personas cuando duermen. Esa sombra o ese espejo de lo que hubiéramos sido, puede ser una revelación sin retorno.

Paula y María Marull presentan este proyecto conjunto como dramaturgas, actrices y directoras, en el que reflexionan sobre el tiempo y la identidad. Un viaje para animarse a pronunciar ciertas preguntas. Un juego escénico sobre las múltiples posibilidades de uno mismo.

Septiembre. Teatro San Martín. Sala Cunill Cabanellas.

Vassa

Felicitas Kamien, Walter Jakob, Agustín Mendilaharzu. A partir de la obra Vassa Zheleznova de Máximo Gorki. Dirección: Felicitas Kamien.

Máximo Gorki escribió Vassa Zheleznova en el 1910. Años después, ya consumada la revolución rusa y la elevación de Gorki como uno de los escritores canónicos del realismo socialista, decide reescribir la obra en 1935, con el mismo nombre pero absolutamente modificada. En ambos casos, lo que se mantiene es que Vassa Zheleznova es una mujer fuerte, avasallante y orgullosa que ha criado una caterva de inútiles a los que pretende controlar y proteger. No quiere que nada se modifique, ni fuera ni dentro de su casa: Vassa intenta frenar la acción del tiempo. Podríamos decir que Vassa Zheleznova es la contracara de Pelagia, aquella gran madre del realismo socialista de la novela de Gorki, que apoya y aprende de su hijo la transformación y los vientos de la revolución.

En nuestra Vassa no hay Rusia, ni revolución rusa. No hay samovares ni polleras largas; hay crisis financiera, inflación desquiciada, desocupación, revueltas populares y estallido social. Hay una casa y una empresa en torno a las cuales esta familia se construyó. Pero durante el tiempo que transcurre nuestra obra la casa ya casi no alberga a la familia y la empresa ya casi no funciona. El padre fundador está al borde la muerte y los cambios que Vassa frenó como un dique encaprichado, con esta muerte, parecen imposibles de detener.

Septiembre. Teatro Regio.

Pequeña Pamela

Mariana Chaud en diálogo con la obra de Nahuel Vecino. Dirección: Mariana Chaud.

El paisaje es exterior, nocturno, emplazado en el conurbano. Al fondo, las luces de la villa titilan como una noche. El caño del desagüe arroja una cascada turbia y tropical. El tanque de agua reina en las alturas. En este escenario Pamela sufre el amor como una condena y, a través de ella asistiremos al descubrimiento de un nuevo tipo de amor.

El relato toma elementos de la tragedia griega para reformularlos. Una valkiria ciclopesa hace las veces de corifeo pero queda irremediablemente atrapada en la trama; el fantasma del tío gay regresa para atormentar a su sobrino sin dejarle ningún tipo de enseñanza; el coro (a cargo de un solo actor) es asesinado y vuelve a cobrar su venganza; Ayax, el supuesto héroe, busca la fama mediante sórdidos asesinatos; los secuaces de Ayax traicionan y son traicionados una y otra vez; y la joven Pamela lucha contra sus pasiones sin lograr domesticarlas.

En este universo proto-mitológico, lo delirante está hermanado con lo telúrico, lo medieval cruzado por lo villero, lo guaranítico mezclado con lo glam, y todo esto nos acerca a pensar las complejas relaciones humanas contemporáneas.

Septiembre en el Teatro Sarmiento.

La saga europea (tetralogía)

“Las ciencias naturales” y “Las cautivas”. Dirección de Mariano Tenconi Blanco. Compañía Teatro Futuro con Mariano Tenconi Blanco, Carolina Castro, Ian Shifres.

La Compañía Teatro Futuro, dirigida por Mariano Tenconi Blanco, realizará una residencia artística en el Complejo Teatral de Buenos Aires. Se producirán cuatro obras que integran La saga europea en los próximos tres años. Las dos primeras -Las ciencias naturales y Las cautivas- serán estrenadas en el Teatro de la Ribera en octubre de 2020. Las invasiones inglesas y Las traducciones se estrenarán en otras salas del Complejo en 2021 y 2022 respectivamente.

Se ha dicho que hay tres formas en las que América Latina se relaciona culturalmente con Europa: admiración pura, rechazo total y antropofagia. La Saga europea se propone explorar esta relación desde la literatura. Porque las mejores ficciones inventan nuevos modos de leer, y porque inventar nuevas formas de leer es inventar nuevas formas de ver el mundo.

Octubre en el Teatro de la Ribera.

La isla desierta

Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín. De Roberto Arlt, con adaptación y dirección de Adelaida Mangani.

“Roberto Arlt nos presenta en esta obra un clima de alienación y conformismo en el cotidiano de una oficina corriente que está ubicada en un subsuelo. Pero un día, la empresa decide mudar a los empleados al décimo piso del edificio y se produce un cambio total. Los empleados se encuentran perturbados, no trabajan bien, cometen errores y el jefe los reprende con severidad y amenaza con echarlos. Primero se quejan de la ventana y defienden la oscuridad del subsuelo, pero luego, poco a poco, se verán invadidos por un extraño arrebato de ensoñación. Para empeorar las cosas llega el mulato, un mandadero, que cuenta historias de viajes maravillosos, de lugares exóticos y encantadores", dice Adelaida Mangani.

Y agrega: "El texto expresa una visión crítica del mundo y un poco pesimista sobre la condición humana. La contaremos a través de una técnica de títeres de manipulación directa sobre mesa, relativamente pequeños y muy arquetípicos. El ingenuo es el ingenuo, el desconfiado el desconfiado, la romántica la romántica. El autoritario lo es hasta la estupidez. Y, como sucede con lo arquetípico, cuando el personaje presenta contradicciones, por lo inesperado, se produce la comicidad. Por tratarse de un espectáculo dirigido a todo público se ha elegido esta técnica en la que los personajes se alejan un tanto de la imagen humana, para permitirnos habilitar el texto corrosivo desde la ironía y la ternura. Los personajes tendrán interacción con sus titiriteros. Ellos serán el alter ego que los interroga sobre sus sueños reprimidos. Serán además, su vehículo a través del escenario, y les propondrán, por qué no, la aventura de la libertad.”

Reposición. Octubre en el Teatro Sarmiento.

El porvenir (cuentos coreográficos)

Ballet Contemporáneo del Teatro san Martín. Programa IV. Coreografía de Eleonora Comelli y Gabriel Contreras, y dirección de Eleonora Comelli.

Tres cuentos sobre el azar y el destino en la vida de una mujer: I. El presagio. II. La elegida. III. La probabilidad. No hay forma de conectar causalmente cada relato aunque su denominador común sea el tema. Éste se hace presente de manera interdisciplinaria y pone en el centro de la escena al cuerpo. Un cuerpo desdoblado en el yo de la actriz y en los cuerpos de las bailarinas y de los bailarines, quienes representan un destino posible: el del accidente como interrupción del porvenir.

Una idea junto a la otra. Existencia y probabilidad. Un dolor, una alegría. Quietud y movimiento. Lo sensorial uniendo en simultáneo pensamientos y sentimientos, creando así un ritmo. El ritmo que se transforma en destino. El devenir, real, imaginario, posible. Lo que es, lo que pudo haber sido, lo que podría ser.

Reposición. Noviembre. Teatro San Martín. Sala Martín Coronado.

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