Pop, techno e psicodelia: Caribou chega a Buenos Aires

“Sempre me senti um estranho, não me encaixo muito bem no mundo da música eletrônica ou mesmo no campo das canções”, diz o músico canadense Dan Snaith à Infobae Cultura, dias antes de viajar para Buenos Aires, onde se apresentará pela primeira vez com sua faceta mais conhecida, Caribou, esta Quinta-feira no Center Cultural Konex. Atualmente em turnê para apresentar seu mais recente álbum, Suddenly (2020), o mais eclético e pessoal de sua carreira, Snaith é um dos artistas mais experientes na encruzilhada entre dança e cultura pop. Sua música nunca fica em um só lugar, cruzando diferentes gêneros em uma ampla passagem entre as pistas de dança e a intimidade do lar, onde euforia e reflexão se misturam.

No início do novo milênio, este nativo de uma cidade rural de Ontário que agora reside em Londres chamou a atenção da imprensa especializada com seu álbum de estreia sob o nome de Manitoba, Start Breaking My Heart, no qual ele explorou as infinitas possibilidades musicais de amostragem através do lições disruptivas de DJ Shadow e Aphex Twin. Sua busca se tornou ainda mais interessante com seu segundo álbum, Up in Flames, uma imersão nos sons reverberantes da psicodelia e do jazz mais experimental - as origens da música eletrônica - transferidos por intensos ritmos de percussão. Sua revisão de gêneros e estilos está sempre presente em sua música, mas a partir de 2010 ele começou a se afirmar nos sons de seu tempo com o lançamento de Swim e se reinventou como um artista capaz de acender uma festa, especialmente com seu projeto paralelo, Daphni.

O vasto horizonte de Caribou pode ser traçado em uma mixtape de quase mil músicas disponíveis no Spotify e no Youtube que o próprio Snaith compartilhou há alguns anos. A longa lista, com muito hip-hop, inclui algumas esquisitices da música brasileira e do folk psicodélico da Congregação Chilena. Na entrevista à Infobae Cultura, o músico reconhece que mal ouvia música argentina, embora ache que recentemente fez uma amostra de uma música de rock nacional. A curiosidade e a delicadeza de Snaith são transmitidas durante a palestra. Ele pede desculpas por sua agenda quando é mencionado que seu programa coincide com o feriado nacional de 24 de março e pede mais detalhes sobre os fatos. “Espero não desrespeitar e que possamos nos divertir apesar de tudo”, diz antes de terminar.

—Depois de dois anos de pandemia, você finalmente conseguiu sair em turnê. Como você vive a experiência no contexto atual e como o público recebe essas músicas?

“Nos deixa felizes por poder tocar novamente, as pessoas que vêm nos ver já conhecem muito bem as novas músicas e para nós é a oportunidade de nos reconectarmos com esse material. Depois de gravar um álbum, nunca mais o ouço, então a familiaridade com as músicas é estabelecida ao vivo, vendo como adaptá-las e como elas mudam.

Estamos agora na Alemanha, o que obviamente se conecta estreitamente com a crise da guerra porque muitos refugiados estão chegando. E há alguns dias jogamos na República Tcheca, Eslovênia e Croácia, que, embora não façam fronteira com a Ucrânia, fazem parte da Europa Oriental. A verdade é que é difícil saber como responder do palco a essa situação ou a toda a ansiedade e momentos complicados que muitas pessoas experimentaram por causa da cobiça nos últimos tempos. O que notamos é que existem tantas emoções reprimidas no público que eles procuram liberá-las coletivamente. O desejo de estar com os outros para se sentir bem pelo menos por um tempo é evidente. Claro que todos temos responsabilidades, mas isso não significa que não possamos nos reunir e curtir música. Eu acho que é muito importante que isso possa acontecer.

“Você sempre teve um pé na história da música popular e outro na música mais atual, mas na última década parece que você encontrou o equilíbrio entre os dois e isso permite que sua música alcance um público mais amplo. Você acha que houve uma mudança?

“Parece-me que o que também mudou foi o clima musical. No início dos anos 2000, o tipo de artistas com quem eu sentia algo em comum eram bandas como Animal Collective ou Black Dice, que faziam parte de uma cena musical experimental então muito animada, ou também com outras que retomaram o rock psicodélico de alguma forma. Foi interessante lançar um álbum como Andorra, que é provavelmente o que tem mais referências a uma época específica no passado, como a década de 1960, e foi um pouco estranho também, porque eu o coloquei junto com amostras muito pequenas em uma sala em vez de gravá-lo em um estúdio de luxo com orquestra em a maneira de The Zombies, The Byrds ou The Beatles. Mas começando com Swim (2010), que é fortemente influenciado por tudo o que acontecia em alguns clubes de Londres naquela época, comecei a me perguntar se minha música não deveria refletir, além do meu próprio modo de vida, um tipo de cultura musical contemporânea. E isso é especialmente fácil de fazer quando você sente que coisas novas estão acontecendo. Acho que é aí que posso contribuir com algo, embora sempre me senti um estranho, não me encaixo bem no mundo da música eletrônica ou mesmo no campo das músicas.

“Você sempre escreveu em casa. Você já pensou em gravar com o resto da banda em um estúdio?

“Eu prefiro trabalhar sozinho. Estou tão acostumado a compor no meu estúdio caseiro que a ideia de ir para a gravação com outros músicos sem ter certeza do que fazer me parece terrível. Eu tenho aquele lado sociável que gosto de tocar na frente do público ou colaborar com outras pessoas e descobrir como trabalhar com cada uma delas, mas há aquele lado da minha personalidade que quer estar no comando de tudo e ter o tempo necessário para me aprofundar nos mínimos detalhes. O que eu gostaria é ter um registro de nossos shows e lançá-lo como um álbum, porque as músicas ao vivo são muito diferentes. Eles se tornam improvisações longas ou nós os reinterpretamos de maneiras diferentes. Acho que tenho muita sorte de poder fazer as duas coisas.

— De repente, tem um som que abrevia no hip-hop dos anos 90. Houve alguma mudança significativa na forma como amostramos, desde o início, quando a eletrônica se tornou um fenômeno global, até os tempos em que qualquer pessoa pode gravar um álbum?

“Em um certo ponto, é impressionante o quão semelhante continua a ser. Minha maneira de fazer música sempre teve a ver com amostras que encontrei em álbuns de outras épocas, combinadas com as melodias e sequências rítmicas que construo. E isso eu acho que tem a ver com a minha experiência de ouvir artistas como Aphex Twin ou Wu-Tang Clan pela primeira vez. Os registros deles pareciam ter sido feitos de uma forma acessível para mim, eles provavelmente não precisavam de muitos equipamentos caros para compô-los. Naquela época, você precisava de um amostrador, conectar tudo através de um midi e assim por diante. Embora ao longo dos anos tenha se tornado melhor e mais fácil com Ableton ou similar, o processo é fundamentalmente o mesmo: ser capaz de mixar áudio de qualquer fonte, seja a amostra de uma gravação anterior, um instrumento que você possui, alguma voz, etc., e esticar seu tempo ou alterar seu tom.

O que mudou é que agora tenho mais tempo para refletir sobre o que faço. Sempre me pergunto se o novo material se integra com a música que fiz anteriormente ou se adiciona algo diferente a ele. Caso contrário, não vejo sentido em gravar uma música igual às anteriores.

- Qual geralmente é o seu ponto de partida quando se trata de compor e como você acaba encaixando as diferentes peças?

“Normalmente começo programando alguns tambores e depois procuro uma sequência de acordes ou algo harmônico, depois uma melodia e no final de tudo começo a pensar nas letras. É claro que, no meio, estou adicionando diferentes tipos de texturas, ideias e contramelodias. Mas é realmente algo que varia muito, felizmente. Algumas das músicas de Suddenly, como “Home”, não teriam existido se não fosse pela amostra de Gloria Barnes que encontrei e fiz um loop, fazendo uma mudança muito básica na música original. Às vezes eu começo desse lado ou com uma melodia. O bom de ter o estúdio em casa é que posso descer para gravar sempre que tiver uma ideia.

—Em várias entrevistas, você enfatiza a importância de cometer erros ou cometer erros, pois isso renova seu olhar sobre o processo criativo. Você poderia explicar essa ideia um pouco mais?

“Acho que vale a pena destacar esse aspecto porque é o que eu mais sinto quando se trata de fazer música. Depois de 20 anos, ainda não sei o que estou fazendo. Somente através de um processo interminável de experimentação e brincando com as coisas, tentando com centenas de ideias diferentes, eu encontro o que pode colocá-los juntos em uma música que eu gosto. Parece um pouco estranho que esse seja o caminho depois de tanto tempo, mas é assim. Às vezes, uma nota extraviada ou algum outro erro me permite descobrir que o tempo ou as harmonias não eram como eu pensava, e outra perspectiva se abre para essa peça. Eu não tenho uma intenção clara quando vou compor, eu apenas deixo as coisas acontecerem.

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