Para Laura Mora, directora de Los reyes del mundo: “la violencia ha sido un patrimonio profundamente masculino”

Cuando Rá (Andrés Castañeda) recibe una carta en la que le informan que le restituirán una tierra que perteneció a su abuela en el bajo Cauca, decide con su grupo de amigos, Winni (Brahian Acevedo), Culebro (Cristián Camilo Mora), Nano (Cristian Campaña) y Sere (Davison Flores), emprender un largo camino hacia su lugar de origen.

Es hacia la cuestión de la tierra, uno de los grandes conflictos que ha agobiado al país durante décadas, a donde Laura Mora, la directora de la película colombiana “Los Reyes del Mundo” (ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián), decide trasladar su lente, para tomar el riesgo de narrar una historia humana y visceral, en la cual el camino de regreso y la necesidad por pertenecer a algún lugar, permiten reflejar la realidad de un grupo de chicos abandonados, no solo por sus padres, sino por una sociedad que, con desdeño, los observa y los excluye.

“Me interesaba sobre manera el “viaje contrario”, porque también me permitía explorar el paisaje y la riqueza de la tierra, como se convierte también en su propia condena. Me interesa el viaje mítico a la tierra prometida visto a través de la desobediencia de estos chicos. Me interesa la búsqueda de un lugar en el mundo donde existir a salvo, creo que nada nos define más a los seres humanos que el origen y el origen es una cuestión muy azarosa, nadie elige donde nace”, explicó la directora sobre ese viaje a los orígenes.

Reflexiones como “en el mundo perfecto el que no quiere no existe” o “yo quisiera ser invisible como la sombra” cobran relevancia en un filme en donde la violencia entra en balance con imágenes poéticas, con las que las cineastas Cristina Gallego Lozano y Mirlanda Torres y la guionista Maria Camila Arias terminaron de darle forma a una historia en la que las imágenes tienen poder.

“Me interesa mucho indagar sobre la masculinidad precisamente porque, como mujer, algunas veces siento que la violencia también ha sido un patrimonio profundamente masculino. Me interesa reflexionar sobre eso. Gran parte de los muertos que ha puesto este país han sido hombres jóvenes de la periferia; me interesa mirar eso, me interesa mirar sus relaciones, también fragilizarlos, enternecerlos, me parece que ahí es donde aparece la mirada de la mujer. Alguien una vez me preguntaba por qué no había una mujer en el grupo y yo sí siento que hay una mujer en el grupo porque estoy yo y ellos también habitan mi mirada y mis preguntas sobre el mundo”, dijo Laura Mora en diálogo con Infobae Colombia.

De ahí, que la juventud, que es atravesada por el filo de la rebeldía, la necesidad de supervivencia y la necedad, se haga vulnerable y gane relevancia en escenas concretas. La ausencia de amor los lleva a sentirse abrazados por el espíritu maternal de mujeres mayores dedicadas a la prostitución o a “enfrentarse” en juegos con machetes que, en la oscuridad, destellan contra el pavimento.

La imagen recurrente de un caballo blanco, que desde el inicio del filme hasta el final sigue los pasos de los chicos que emprenden su recorrido, forma parte de los elementos que aportan a la película una dosis de simbolismo.

Estos, conforme avanza el largometraje, se entretejen con nuevas capas de realidad que, tras elevarlos de un mundo que por momentos parece cargado de inocencia, hilaridad y diversión, pronto se convierte en una zona más aventurada y riesgosa donde los contratiempos pasan a segundo plano para convertirse en problemas sistémicos reales.

En ese punto, como bien lo señala Laura Mora, la película se trata sobre la incertidumbre, un campo difícil de abordar, pues, al final, entre los protagonistas no existe ninguna certeza sobre el futuro y, en tal medida, cuando la tierra puede convertirse en un lugar seguro, la burocracia y otros contextos más complejos ejercen un peso superior al de la misma gravedad, esa que en una de las escenas permite que las bicicletas que llevan los protagonistas bajen en picada por las carreteras inclinadas, a la vez que son haladas por un camión.

Esta incertidumbre no solo fue una cuestión que se fue trabajando desde la historia, también en la realidad de la realización de la película, que se convirtió en una especie de salto al vacío durante gran parte del rodaje.

Después de haber hecho posible ‘Matar a Jesús’, un filme doloroso pero una apuesta certera, hoy Laura Mora, salta de nuevo al vacío a través de la exploración de preguntas constantes, que no solo cobran vida a través de las reflexiones de sus personajes, sino que salen a la luz proyectadas en grandes pantallas para dar cuenta de la realidad de un país que través del séptimo arte, reclama la voz de sus jóvenes y da protagonismo -en el sentido nato de la palabra- a quienes han sentido la exclusión en carne propia.

“Hacer “Matar a Jesús” realmente fue un acto muy liberador para mí en muchos aspectos de la vida, y hacerla me permitió empezar a indagar sobre otras cuestiones que me preocupan del mundo, del cine, de la política, de la manera de habitar; entonces, claro, una vez uno saca adelante un proyecto que lleva diez años pariendo, de repente puede empezar a pensar en ideas que se aventuran por otros caminos y que, como bien dicen, hablan también de mi relación con el cine y mi relación con el mundo, que es una relación que se establece también desde un lugar muy poético y de mucha belleza, a pesar de la dureza en la que vivimos”.

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